lunes, 13 de octubre de 2014

BIZKAIKO SOKA DANTZA



ERREGELAK

Durante el siglo XIX comienzan a distinguirse en Bizkaia dos tipos de Soka danzas o Aurreskus, a uno se le denomina Aurresku de Villa y al otro Aurresku de Anteiglesia. Se diferencian fundamentalmente porque en el conocido de Anteiglesia se bailan las "Erregelak". Nombre que en ciertas zonas de Bizkaia se usa para designar a una de las melodías de danza de dicho Aurresku de Anteiglesia y, algunas veces, a todo el conjunto de danzas que constituyen el mismo.


Para poder entender estas dos denominaciones referentes al Aurresku, hay que decir que el Señorío de Bizkaia ha estado constituido por una ciudad, veinte villas y el resto por tierra llana donde se sitúan poblaciones a las que se denominan Anteiglesias, por estar organizadas alrededor de una iglesia y estando su población muy diseminada. En cambio, la ciudad y villas están fundadas a lo largo de la edad media en lugares apropiados para concentrar a gentes por diversos motivos, en su principio amurallándose el lugar. Con el tiempo éstas se han ido desarrollando llegando a ser finalmente las poblaciones más importantes del Señorío, siendo su relación con el exterior muy superior a la que han tenido las Anteiglesias, y por ello más influenciables a las modas extranjeras.


Éste es el motivo por lo que allí donde se ha conservado la Soka dantza o Aurresku en Bizkaia, las melodías para la danza más antiguas o viejas han perdurado en las Anteiglesias y no en las villas. Precisamente la denominación que se ha usado, el de "Erregelak", corresponde a una de estas viejas melodías. Una de ellas aún se sigue bailando sin interrupción en Bizkaia desde hace siglos, formando parte del Aurresku de Anteiglesia.


Uno de los que usa la denominación de Aurresku de Anteiglesia es el músico durangués Marcos de Alcorta, que falleció en 1890. Esto nos lleva a poder afirmar que las músicas que recoge y publica sobre una "romería vascongada" son anteriores a dicha fecha. Entre las diversas melodías que forman parte del Aurresku, encontramos la que corresponde a la denominada en Bizkaia como "Erregelak", dándole el título de "Aurresku de Anteiglesias"1. El uso en plural de esta palabra nos da ha entender que en su tiempo esta melodía estaba bastante extendida en Bizkaia, no solamente en el Duranguesado de donde él era nativo. Posteriormente, un guerniqués, Segundo de Olaeta, al tratar sobre las "Erregelak" de Berriz, nos dirá que con la música que aparece en la obra "Gipuzkoako Dantzak" de J. I. Iztueta, denominada "San Sebastián", "se baila "el Erregelak" o "Aurresku de Anteiglesia" en Berriz y zona de Guernica, donde se han conservado por tradición de dantzari a dantzari. Mientras que en Guipúzcoa, donde pertenece la obra escrita de Iztueta, ha desaparecido la danza"2.


Hay que subrayar que actualmente en Gernika-Lumo, una Villa y una Anteiglesia unificadas hace tiempo, en las fiestas de agosto, frente a la iglesia parroquial, a la salida de la misa mayor, se bailan dos tipos de Aurresku, el día 15 el de Anteiglesia y el día 16 el de Villa. Así, se recuerda a cada uno de los dos antiguos ayuntamientos que forman el único actual, distinguiéndolos por el tipo de danza que conservaban al unificarse.

El título que le da R. M.ª de Azkue a esta melodía en su "Cancionero Popular Vasco", es el de "Ardoak parau gaitu dantzari", primeras palabras de la letra cantada, y no el de "Erregelak". Es de interés subrayar que recoge variantes en cuatro localidades distintas, lo que evidencia su extensión. Indicándonos en otro momento, puesto que al parecer se estaba dejando de bailar cuando hace su recopilación a principios del siglo XX, que según individuos de la generación anterior "el primer cuadro de la sokadantza fue y debe volver a ser el precioso Ardaotxuak para gaitu kantari, núm. 16 del grupo de danzas cantadas"3,
es decir lo que conocemos como "Erregelak".


El primero que nos informa sobre este tipo de melodías es Guillermo de Humboldt en su diario del Viaje al País Vasco realizado en 1801. En su escrito, recoge en Munibe (Markina) la siguiente declaración del administrador del Conde de Peñaflorida:
"En su juventud se danzaba, ahora lo han prohibido los curas, entonces aprendía la juventud también ordenadamente según reglas, con qué pie se debe empezar el primer punto (verso) del Zortzico, como luego alternar siempre, como había viejas canciones, a menudo de 13 puntos, que ahora nadie sabía danzar, se tendría que saber toda la canción y su estructura de versos, para danzarla bien"4.

De este escrito destacaríamos en primer lugar las palabras "ordenadamente según reglas". Ello nos indica la existencia de reglas al danzar y que, sin duda, nos lleva a la denominación de "Erregelak", que hoy en día aún se usa, siguiendo tradición no interrumpida, tanto en el Duranguesado como en Busturialdea, para designar a dicha melodía de danza. En estas zonas, actualmente, la danza que se realiza es con variantes de la melodía que recoge en el duranguesado el mencionado Humboldt en su visita de 1801, con la denominación de "Zorsico antiguo llamado San Sebastián" y escrita en 2/4. Años más tarde a la visita de Humbodt, publica con la misma denominación una variante de dicha melodía Juan Ignacio de Iztueta.

En segundo lugar usa la frase de viejas canciones, al igual que la de "soñu-zarrac" que posteriormente el mencionado Iztueta emplea para este tipo de melodías5

Generalmente éstas son con líneas melódicas de número de compases o puntos no regulares, en las que pueden darse en algunas hasta de trece puntos, como indica el informante de Humboldt, diferenciándolas de las regulares de ocho o "zortzikos", que van adquiriendo las nuevas melodías.

Finalmente destacaremos en el escrito el hecho de que ya nadie sabe danzarlas. Nosotros añadiríamos que ese hecho se daría en la zona de Markina, puesto que en otras zonas vizcaínas aún se bailaban en dicha época. Prueba de ello es que siguen vivas en la actualidad en las poblaciones antes mencionadas.

Junto a este "zorsiko antiguo llamado San Sebastian", que, como decimos, aún se sigue bailando en zonas de Bizkaia, Humboldt recoge otras dos melodías de parecidas características tituladas "zorsico Antiguo llamado eunducatecua", escrita en ritmo de 6/8, y "Contrapas Antiguo llamado nafarchu", escrita en ritmo de C (compasillo)6.

Los documentos de música escrita que recogió Humboldt nos llevan a poder afirmar, con bastante seguridad, que son de la Merindad de Durango. En el folio en que está recogida la melodía "nafarchu", se encuentran otras músicas con el título de "Baile de los niños de esta merindad de Durango", que recoge melodías que aún se tocan en la "Dantzari dantza" de la Merindad. A esto hay que añadir que en la cabecera de esta lámina encontramos la palabra "Bizcaia", dando fe de su origen. Por otro lado el "zorsico Antiguo llamado San Sebastian", escrito en otra lámina distinta, es de la misma mano que la anterior, lo que nos lleva a apuntar que su origen esta en Durango y sus pueblos cercanos. Humboldt estuvo en Durango durante los días que van del 9 al 13 de mayo, lo cual le permitió poder ver las danzas que se hacían en la villa en las fiestas de Corpus Christi, de las cuales hace una detallada descripción, así como de la "Soka dantza" o "Aurresku" que también pudo ver un domingo7. La única denominación que da a estas danzas ordinarias de domingo es la genérica de "carricadantza", y de entre sus partes menciona las siguientes: la "Chipiritaina", zortzicos, las culadas entre los/las dantzaris, el Fandango y la contradanza inglesa que cierra el regocijo dominguero. No nos dice el nombre de la danza que realizaba al principio el delantero, dirigiendo la cuerda, haciendo "propiamente pasos de baile". Es en este momento cuando actualmente se realiza la melodía que se conoce como "Erregelak".


Unos años más tarde, en 1824, Juan Ignacio Iztueta publica su libro sobre danzas de Gipuzkoa. Libro de gran importancia para conocer las danzas que en su tiempo se realizaban en Gipuzkoa, máxime si se tiene en cuenta el libro que le acompañó con las correspondientes melodías. A esto hay que añadir la información que aporta sobre costumbres y tradiciones guipuzcoanas, lo que nos lleva a considerarle como uno de los autores más clásicos e importantes de su tiempo sobre nuestras danzas y costumbres. En su escrito hace una gran defensa de las viejas melodías de danza o "soñu zarrac", a punto de perderse en la Gipuzkoa de dicha época, según indica.

 Describe los movimientos o pasos necesarios para bailarlas, así como los puntos o compases que en cada una de sus partes hay que tomar, permitiendo con ello su reinterpretación posterior con mucha exactitud. Describe los compases y partes de veinticuatro melodías viejas, encontrándose en tres ellas variantes de las tres que Humbolt recogió anteriormente en Durango. En razón a la palabra que estamos analizando destacaremos que dos de las melodías que describe las titula usando la palabra "Erregela": "Cuarrentaco erreguela" y "Erreguela zarra", poniendo en relación las denominaciones de "Soñu zarra" en Gipuzkoa y "Erregela" en Bizkaia para el mismo tipo de música y danza. El libro de Iztueta es el mejor tratado sobre este tipo de melodías de danza.

Iztueta diferencia claramente los "zortzicos", de ocho compases, de las "soñu-zarrac", con compases irregulares. Dirá, que los primeros, al tener melodías de compases regulares, pueden ser bailados igualmente todos sin conocer previamente la melodía, aunque ésta cambie. En cambio, las "soñu-zarrac" hay que conocerlas de antemano. Tanto la danza como la melodía debe aprenderse de memoria, "porque así como los zortzicos, boleras y demás bailes tiene compases muy conocidos, las melodías viejas sin embargo los tiene muy diferentes" ("nola bolera ta beste gañeracoac puntu jakin-jakiñac dituzten bezala, soñu-zarrac chit banaitatuac edo diferenteac dituzten")8.

Aunque los pasos empleados en las "reglas" de la zona de Durango y los de la zona de Gernika son distintos, siguiendo sus estilos, mantienen una regla en común. En cada zona terminan con los mismos pasos todos los finales de cada parte melódica. Salvo licencias excepcionales.

Esta regla también se repite en las descripciones de pasos que realiza Iztueta. Hablando éste de las melodías zortzikos, de ocho compases, nos indica:
"en todas las evoluciones, la melodía termina siempre en los dos últimos compases, como he indicado al explicar el séptimo y el octavo. Por tanto, en los seis primeros puntos aun bailando cualquier especie de evolución y cuantas quisiere, debe guardar siempre los dos, el séptimo y el octavo, para terminar la melodía de la forma que dejo dicho ("aldaira guzietan bucatu bear du beti azkenengo puntu edo compas bietan, zazpigarrena eta zortzigarrena eracutsi diturean moduan modu ver-berean; beragaitic, lendabizico sei puntuetan edozein aldaira mota, eta nai dituen aimbat eguin arren, beti gorde bear ditu veste puntu biac, zeña diraden zazpigarrena ta zortzigarrena, esan deran guisan soñua bucatzeco")9.

Añadiendo más adelante, puesto que el dantzari sabe como ha de finalizar las melodías de ocho compases "puede fácilmente caer en la cuenta de cómo tiene que bailar las melodías viejas, procurando conservar siempre -ya lo he dicho- los dos últimos compases para finalizar todos los números. Y a este respecto, aun es preciso que os explique en qué forma se ha de tomar el número doble, en los casos en que éste viene solo" (aissa aski oarketu-diteke soñua zarrac zer modutan dantzaru bear-dituen gordetezen diuelaric,esanic daucadan bezala, azkenengo bi compasac beti, numero guzien bucaeretaraco. Onetaraco, daucat oraindic adierazi bearra, numero bicoa bacarric arkitzen dan tokietan, bera zer guisatan artu bear dan)10.

Este tipo de melodías son bailadas con pasos de danza distintos, según las zonas en que se han conservado. Los que figuran en las descripciones de J. I. de Iztueta, los que se bailan en el Duranguesado o los de Busturialdea, presentan bastantes diferencias. Hay que destacar que la versión de la melodía que se baila en el Duranguesado se diferencia con las otras hasta en el ritmo, al ser tocada por el txistulari, no así al ser cantada con la letra tradicional por los mismos dantzaris, siendo en este caso semejante a las versiones de Humboldt, Iztueta y la conservada en la zona de Busturia.

Este hecho lo destaca también Segundo Olaeta en el mencionado escrito al advertir que en Berriz no se baila toda la melodía al ritmo de 2/4, como se realiza en Gernika y figura en la publicación de J. I. Iztueta, por lo que considera que la versión más pura es la segunda, añadiendo:
"claro, que también cabría pensar, que Berriz, siempre con una personalidad destacada en la manera de interpretar las danzas, la hubiera creado así, o transformado de esa forma, y en todo caso, queriendo salir de la uniformidad para crear, que ahí está el arte y su expresión, su propio modo de bailar"11.

Creemos que en la zona del Duranguesado la modificación o acomodación se ha dado por el carácter de los dantzaris al bailar las danzas de la zona, junto a los txistularis que durante casi doscientos años han tocado en los principales pueblos donde se bailaba, todos ellos de la familia Amezua, conocidos con el sobrenombre de "Patxikos". El último, Serafín, sin conocimientos de la música escrita, al igual que sus antecesores.

Tenemos que añadir que las Soka Dantzas también han sido dirigidas y bailadas por las mujeres, como recoge J. I. Iztueta y se han conocido en zonas de Bizkaia. Por ejemplo, en Garai éstas han seguido bailando hasta nuestros días sin interrupción desde tiempo inmemorial. Lo hacen con músicas y pasos iguales a las "Erregelak" bailadas por los hombres. En Iurreta, se ha recuperado esta costumbre hace unos años, siendo bailada por las mujeres en la tarde del día principal de fiestas, día de San Miguel. Esta recuperación tiene la característica de que al ser bailada por las mujeres, se ha decidido realizar las "Erregelak" acomodándose a la melodía cantada en 2/4, acompañando el txistu al canto de las mujeres. Con ello diferencian de alguna manera su baile del realizado por los muchachos, que continúan haciéndolo con la melodía y ritmo clásico que han marcado los txistularis anteriores de la zona.
 
 
1ALCORTA, Marcos de. Aurrescu. Baile popular vascongado. Casa Dotesio. Bilbao.
2OLAETA, Segundo de. "Folklore del Duranguesado". Vizcaya, Revista de la Excma. Diputación Provincial. Nº 25. Segundo semestre de 1965.
3AZKUE, Resurrección María de. Cancionero Popular Vasco. Tomo I, p. 265.
4HUMBOLDT, Guillermo de. "Diario del viaje vasco 1801". RIEV, tomo XIII, año 1922, p. 643.
5IZTUETA, Juan Ignacio de. Gipuzkoako dantza gogoangarriak. Ed. La Gran Enciclopedia Vasca, p. 232.
6Microfilm de los documentos de Humboldt. Biblioteca Azkue de Euskaltzaindia, Sig. Kakrovia 5165-5202 ó 5583.
7VON HUMBOLDT, Wilhelm Freicher Los Vascos apuntaciones... Colección Auñamendi, p. 124 y 130.
8IZTUETA, Juan Ignacio de. Gipuzkoako dantza gogoangarriak. Ed. La Gran Enciclopedia Vasca, p. 236.
9IZTUETA, Juan Ignacio de. Op. cit., p. 284.
10IZTUETA, Juan Ignacio de. Op. cit, p. 306.
11OLAETA, Segundo de. Op. cit.
Iñaki Irigoien
201O

jueves, 9 de octubre de 2014

miércoles, 8 de octubre de 2014

Uruguay en 1900+....


EUSKALDUNAK

Son solo nueve minutos, sin llegar a los 550 segundos.
Partiendo que la mitad son poco más de 200.
Yo espero justo antes del 100. 

                                                    Ponle 90+.

Sombreros que no esperas
                                          y
                                             un  
                                                  Gardel…
que no es protagonista.
                               Pasó un dirigible.
                                     ¿Pasó un dirigible?
                                               Pasó un dirigible!
No entender, por olvidarse de gramática.
Es una locura sin sentido
NO
      Es el sentido Montevideo del 1900
       En 550 segundos
                                  ¿Y los vascos?
En el 90.

Aitor.


                                      

lunes, 6 de octubre de 2014

De Doris Humphrey

EL ARTE DE CREAR DANZAS
LOS TEMAS
Estos pueden ser trascendentes, con un peso importante en el vivir diario o intrascendentes, lo que les hará resaltar será como y de que manera están rodeados  de un aura simbólica que realza el tema elegido/desarrollado.

QUE ES EL COREÓGRAFO INDEPENDIENTE
La inspiración puede estar motivada en ocasiones impulsada y acrecentada en ocasiones dentro de un marco determinado, pero puede suceder que el coreógrafo, el creador de bailes, no tenga ideas propias, que él pueda desarrollar y poner en práctica la inteligencia frente al tema a desarrollar es algo elemental y principal.

Las líneas, los desplazamientos, su topología, restas-curvas, curvas-rectas, son distintivas de épocas, lugares, acontecimientos históricos, llegar a plasmar dentro de la coreografía es conceptualizad histórico-geográfica es tarea del coreógrafo.

 Factores filosóficos, psicológicos, religiosos, filosóficos y estéticos, serán algunos de los pilares para la elección del tema, por parte de coreógrafo.

EL TEMA
El movimiento actuara como motor del tema, generando una acción,  matizándolo, colocándolo en relevancia e importancia, tarea esta imprescindible para que la coreografía tenga un desarrollo inconcluso.
La experiencia íntima del creador suele ser el germen para el nacimiento y posterior vida del tema-coreografía a tratar. Dando cabida desde la frivolidad hasta llegar al punto mas trágico. Este transitar coreográfico debe estar sustentado en los pilares del conocer coreográfico donde la forma y el movimiento, ellos  harán que el producto a presentar junto con los demás elementos de la creación, vestuario, música, estenografía, iluminación, realcen el tema desarrollado. Es tarea del corógrafo ordenar y equilibrar todos los elementos coreográficos, ya que hoy el caudal de información hace que podamos disponer de abundante información y recursos.

INGREDIENTES E INSTRUMENTOS
La composición coreográfica observa como en lo cotidiano, tato seres humanos como los animales nos desplazamos y convivimos con el otro y el medio ambiente de formas y maneras determinadas, obteniendo un diseño en el espacio determinado. Así aparecen como elementos del movimiento, el diseño, la dinámica, el ritmo y la motivación. Ya no tenemos pasos o secuencias sino elementos coreográficos.
SIMETRIA Y ASIMETRIA
El tiempo y el espacio son los aspectos que marcan al diseño coreográfico y colocan ala danza en la categoría de arte. La simetría/asimetría y a su vez presentándose cada categoría por oposición o sucesión son las subdivisiones coreográficas principales del diseño coreográfico, cada una con caracterizas propias y sugiriendo diferentes sensaciones a trasmitir y percibir: estabilidad(simetría), vitalidad agresiva(oposición).


EL DISEÑO

En el diseño de sucesión, la energía necesaria para el movimiento recorre el cuerpo, terminando esta hacia donde se dirige la vista. Cuando las inyecciones de energía son frecuentes, constantes, se tiene la impresión de que el bailarín actúa tocado por una fuerza que pasa por él. También se puede aplicar un elemento contrario para atenuar el efecto natural del esquema  principal

Diseño para una o mas personas:

Los compositores de danza suelen cometer el error de incluir en un grupo más movimientos de los que el ojo puede captar. El resultado no es una unidad, sino varias unidades simultáneas. Cuando  se logra una claridad básica en el diseño, todo resultara confuso. Los dos cuerpos deben presentar un diseño total definido, ya sea en oposición o sucesión simétrica o asimétrica. Dos cuerpos requieren líneas más sencillas que uno; y un mayor número requiere más simplificación, para mantener claridad y enfoque.

LA FRASE

Refiere al diseño en el tiempo. Es decir que un diseño espacial se continua en otro y la sucesión en el tiempo, da la forma. La “Teoría de la frase” es la organización del movimiento en el diseño corporal. La forma temporal de temporal de comunicación moderna en música, danza o leguaje tiene una duración de una respiración adecuada y un sentimiento ascendiente y decreciente. El movimiento, no esta restringido a la duración de la respiración,  pero se ve afectado por la forma emocional de la frase de la respiración.
El “Movimiento fraseado” es una descarga de energía con diferentes intensidades, seguida de una pausa. La razón por la cual resulta agradable el movimiento fraseado es porque las funciones del cuerpo humano tienen este fraseo, como el corazón que late y descansa.


La tensión y la relajación suelen obrar como reglas.

Los pasajes de baile largos/dilatados, sin fraseo, resultan fatigosos, y por otro lado las manifestaciones muy breves son insatisfactorias. Los bailarines no se atreven a menudo a detenerse por miedo a no resultar llamativos, obteniendo el resultado contrario, si no hacen pausa, aburren.

El espectador disfruta más si la forma se ajusta al conocido esquema de esfuerzo y de reposo. La danza debe armarse con frases, teniendo una forma reconocible de comienzo y terminación y con diferencias de duración para lograr variedad.

EL ESPACIO ESCÉNICO
Es preciso tener conciencia de la especial significación que tiene ese espacio, sus atributos, dimensiones y fines, diferentes de cualquier otro espacio. La composición/aprendizaje debería darse en el escenario. El estudio de danza es incompleto, ya que el aprendizaje es poco realista y el alumno no sabe nada acerca del escenario. Cuando un bailarín  camina por una de las diagonales desde la derecha del foro hacia la izquierda de la desembocadura, se lo verá andando por el sendero mas expresivo del escenario; aparecerá investido de fuerza heroica. Se observan los cambios de énfasis a medida que la figura camina por la diagonal. El influjo del centro lo fortalece: en el centro no hay conflicto peligroso, todo es equilibrio. El centro, a menudo llamado erróneamente “punto muerto”, es el punto mas intenso expresivamente en el escenario, pero implica una debilidad. Después de algunos momentos la fuerza comienza a desvanecerse, se diluye su fuerza.


Todas las zonas del escenario parecen tener un ritmo fluctuante creciente y decreciente. El abuso las agota, el descanso les da aire. El bailarín en el centro del escenario esta en la plenitud de su fuerza. Luego se dirige a la esquina de la embocadura, y ahí esta el punto débil entre el centro y la esquina: llega el proscenio. Cuando esta cerca de la salida tomamos contacto con él, es un amigo, no es una abstracción, es un semejante.
Las zonas del escenario apoyan y destacan diversas concepciones o las niegan.

Todo el centro del escenario es fuerte, pero nos encontramos con el “punto muerto” que es el de máxima potencia. Una figura cuando esta lejos es misteriosa, a medida que avanza aumenta su poder. Por otro lado la distancia produce fascinación, y eso se comprueba en la danza. El avance directo es poderoso porque el cuerpo produce una comunicación franca.
El círculo produce sensación de continuidad.


Hay 6 zonas débiles y 7 zonas fuertes en el escenario. Los principales senderos de irradiación son los de las diagonales y el que baja por el centro; los costados son ineficaces para las salidas y los mutis. Exceptuando las esquinas y el centro del foro, los demás puntos son débiles para salir a escena o desaparecer.


Doris Humphrey dice que es de gran entusiasmo para el coreógrafo el espacio abierto y vacío, ocupado sólo por bailarines, a diferencia de óperas o las obras en que se encuentran múltiples elementos, llamándolo como caos.

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La luz contribuye a la atmósfera, y a la construcción de la coreografía, por lo tanto la iluminación debe tenerse presente al elaborar una coreografía.

DISEÑO PARA PEQUEÑOS GRUPOS
El término grupo en la danza surgió en las compañías de danza moderna. Antes se denominaba “cuerpo de baile” o “bailarines”, para distinguirlos de los solistas.


Hay una diferencia social implícita cuando aparece la palabra “grupo” para definir la nueva relación entre los participantes en una forma de danza que corresponde a una idea totalmente democrática del concepto y de la palabra. La danza moderna se ha basado en conceptos totalmente distintos de las relaciones humanas y por tanto de los bailarines. Los grupos no eran anónimos ni estaban formados por los bailarines menos dotados. Se prepararon y desarrollaron en las personalidades en las compañías porque el papel del grupo era de vital importancia. En algunos casos todo el peso de la danza recaía en el grupo, y los solos carecían de relevancia.
Al abordar un trabajo de grupo es fundamental destacar la dignidad e importancia del individuo. La relación recíproca entre motivos y personas en la danza refleja la manera de pensar democrática. La utilización de un gran número de personas impone menos dificultad, aparece el diseño lineal. Para comenzar es conveniente elegir oposiciones simples: agresión - timidez, perderse – encontrarse, etc.

LA DINÁMICA
“Pienso en la dinámica como en una escala que se extiende desde la fluidez de la crema hasta el rigor incisivo del martillo”.
Tanto las escalas, como las calidades, como los tonos, son susceptibles de infinitas variaciones en el tiempo y en la intensidad, pudiendo ser:

-Lento – suave con fuerza
-Rápido – suave sin tensión
-Rápido – brusco con tensión.

La dinámica fuerte y la velocidad actúan como estímulo, mientras que lo suave y lo lento es tranquilizante. Prolongar mucho las figuras/dinámica, produce agotamiento en el espectador.

EL RITMO
El hombre tiene 4 fuentes de organización rítmica: el aparato de la respiración, el canto y el habla, que dan origen al fraseo; y el ritmo de la frase; ritmos de funciones orgánicas, como el corazón; el mecanismo propulsor, las piernas; el ritmo emocional.

En el hombre el andar es la pauta de la caída: la base es ceder a la gravedad y rebotar.

LA MOTIVACION Y EL GESTO.
El movimiento siempre tiene un motivación; siempre alguna fuerza en la causa del cambio de postura. El movimiento se funda en un propósito, debe estar presente el sentimiento, que impide una ejecución mecánica y técnica. Hasta la danza técnica tiene una motivación.
La danza esta arraigada al terreno de la comunicación. Debe haber relación entre motivación y movimiento. El bailarín puede recurrir a estos movimientos para valerse de ellos; son como palabras conocidas para las que no tiene que inventar un sustituto.

Aitor Alava
17/9/14

domingo, 5 de octubre de 2014

ZORAGARRIA!

GU TA GUTARRAK


GU TA GUTARRAK – Despedida. (Despedidea)

Escribo estas líneas un día antes de que se produzca el concierto que pondrá fin a la gira de Gu ta Gutarrak en el Plateruena Kafe Antzokia de Durango.(13.06.08)

 
Gu ta Gutarrak (Nosotros y los Nuestros) *como grupo y espectáculo nació de la reunión de tres auténticos personajes: Unai Iturriaga, Igor Elortza y Josu Zabala.

 
Los dos primeros pertenecen a la generación joven que irrumpió en el bertsolarismo en la década de los noventa, revolucionando el mundo de la improvisación popular en euskera. Zabala, por el contrario, proviene del rock y fue bajista, compositor y alma mater de uno de los iconos históricos del rock vasco: Hertzainak.

En 1995 crearon un grupo espectáculo titulado Zazpi Eskale (Siete Mendigos) con cuyas canciones grabaron un disco editado por GOR. Fue uno de los primeros intentos de fusionar el bertsolarismo con el rock.

 
El buen recuerdo de aquella aventura quizás o cualquier otra razón desconocida ha influido para que el trío vuelva a juntarse tras dejar pasar más de una década. Además de Igor y Unai a las voces y Zabala al acordeón han sido parte del grupo Xanpe (exPILT) a la batería y Aitor Rubio a la guitarra.

 
Desde Enero del 2007 hasta Junio del presente año han dado más de sesenta conciertos por toda la geografía vasca.
El poso del paso de los años y los cientos de horas pasados en los escenarios han dado a los dos bertsolaris la madurez y la profesionalidad necesarias para conducir e interpretar un espectáculo poético musical de alta calidad.

Conocemos ya a los Gu y pero nos faltan los Gutarrak. ¿Y quienes son Gutarrak? Muy fácil, los colegas músicos y artistas que el trío ha ido conociendo tras años de patearse pueblos, barrios y ciudades de punta a punta de Euskalerria. En cada concierto de Gu ta Gutarrak ha habido un espacio del mismo para que los invitados pudieran hacer lo que quisieran: una versión, un tema propio, una colaboración más o menos improvisada.

 
Aunque la lista es larga estos son algunos de los Gutarrak que han tenido el placer de compartir escenario con ellos:
Bixente Martinez, Asisko Urmeneta, Pottoka, Ruper Ordorika, Rafa Rueda, los hermanos Ubeda, Ramón Aguirre, Gorka Urbizu, Harkaitz Cano, Kirmen Uribe, Pako Pekao, Joseba Tapia,Niko Etxart y un largo etcétera.

No os aburriré con más explicaciones, todo esto y más se puede ampliar en su página web y en Youtube.






MARINO GOÑI.

sábado, 4 de octubre de 2014

SORGIN


SORGIN DANTZA
 
Danza mímico-burlesca, propia del Carnaval; la interpretan sólo varones, la mitad de ellos representan a hombres y la otra mitad, mujeres. Su sentido es de carácter amoroso, interviniendo en la pantomima un Asti (brujo) que acaso quiera representar al diablo, cuya intervención se da por descontada en todo juego amatorio. Originalmente se bailó en Mutriku y Antzuola; de esta última población se importó hace 125 años al barrio guipuzcoano de Oria (Lasarte-Oria), tomó carta de naturaleza y pervive allí. Fue enseñada por Manuel Goyarán, Alberto Orotegui y Joaquín Idígoras, naturales de dicho barrio guipuzcoano, al grupo Goizaldi de San Sebastián, en 1968.

 La "Sorgin dantza" de Lasarte-Oria
 Gaizka Barandiaran


La Sorgin-Dantza de Lasarte-Oria ha provocado en estos años en las almas de los ciudadanos la nostalgia hacia sus antepasados.
Hace tiempo había en Oria un Taller de Tejidos fundado por la familia Brunet. Hoy podemos decir que la Sorgin Dantza ha enraizado hasta las profundidades de las almas de los habitantes. El Baile Folclórico rebosa en un bello libro; no vamos a decir que se haya "esculpido en pedernal" -sculpantur in silice-, pero confiamos en que se mantendrá vivo en las sucesivas generaciones futuras.

Aun cuando la industria no ha sido folclorista, ese Taller de Tejidos resultó ser el entorno fundamental, al cual vinieron los trabajadores de Vergara y resucitaron la Sorgin Dantza en el barrio industrial. ¡Gloria a aquellos hombres!

En el barrio de Oria acogieron el nuevo patrimonio popular con atención y celeridad, y fue precisamente la industria la que hizo revivir el Viejo Folclore que en otros pueblos se había perdido. Los trabajadores de Oria recibieron el nuevo patrimonio de los vergarareses en propias manos; "tomaron" la tradición de Vergara y la habían "conservado" hasta la actualidad. Hoy, los Amigos de la Sociedad han vuelto a poner la Sorgin Dantza de Oria en lo alto.

Ahora, aquí mismo y a voz alzada, deberíamos rememorar los nombres de los trabajadores de Vergara, los nombres de los trabajadores acogidos en Oria, los nombres de quienes hicieron revivir la Sorgin Dantza, y los nombres de las personas de la Nueva Sociedad. Pero todos se hallan recogidos uno por uno en una larga lista en el hermoso libro recientemente publicado. ¡Recuerdos ahora y siempre!

Uno ha podido percibir en las reuniones que hemos celebrado cuán cálido era el aliento y la respiración de esas buenas personas de Oria a la hora de proteger la herencia de sus antepasados. Creo que el impresionante libro titulado "Oriako Sorgin Dantza ", editado con loables actos, constituirá un ejemplo único y extraordinario. Me temo que el ayuntamiento del pueblo, los habitantes de Oria, los Amigos de la Sorgin Dantza, fervorosos colegas de un audaz acto, se hayan juntado en el actual CLUB DE BRUJERÍA.

En cuanto a su contenido se refiere, el robusto libro "Oriako Sorgin Dantza" es de lo más hermoso, desde lo superficial hasta lo nuclear. Así relata Mª Luisa Brunet, de la familia Brunet: "Oria fue siempre un lugar de una marcada predilección por la música y la danza, y me maravillaba que en un pueblo con apenas 650 vecinos coexistiera un coro de voces blancas, una banda de música, y un grupo de baile de la 'Sorgin Dantza' ..."

No es de extrañar que Oria, un pueblo tan resuelto para las actividades, habiendo acogido con gran alegría la Sorgin Dantza en propias manos como un nuevo patrimonio, convertida en tradición popular y Folclore durante un siglo, "transmita" según "recibió" a las generaciones venideras, adornada con numerosas fotografías y vivos colores. No es, evidentemente, como un bello libro de lógica de Aristóteles que se lega para conocimiento de los ulteriores.

Pertenece al hombre folclórico y a la identidad popular; recoge la identidad popular. Si el Folclore del pueblo se pierde, algo del pueblo se muere, y no queremos que el pueblo muera, sino que resucite. Puesto que el Baile Folclórico es afortunadamente "vida", necesita ser "revivido" en sus días en la plaza del pueblo. No obstante, parece beneficioso y bonito guardar el puro recuerdo del baile semidesnudo, al igual que duermen los trajes de baile doblados en las arcas o arquetas.

Al recordar la historia de la Sorgin Dantza, y haciendo memoria sobre las circunstancias del Baile popular, conservaron el Folclore, junto con el Taller de Tejidos del señor José Manuel Brunet, tal como he mencionado, los Bailarines, los Chistularis y los Impulsores. Todos los nombres de esos buenos habitantes que sostuvieron el folclore popular constan en el libro.

Un recuerdo bien merecido, de verdad, porque "dando de la mano" y "cogiendo de la mano" de los habitantes de Oria la Sorgin Dantza, la tradición se convierte en el más auténtico folclore popular según la ley. Al decir que es auténtico no se está diciendo cualquier cosa.
Cuando un baile o una costumbre vive y muere en unas regiones, pero si a pesar de ello perdura en un rincón y la gente lo conserva aun habiendo desaparecido en otros lugares, es precisamente entonces cuando se convierte en folclore.

La Sorgin Dantza es un baile de carnavales. Sorginas e Intxisus son seres humanos. Pero la mitad son hembras, y se les llama sorginas. Los machos son Intxisus. Los sinónimos y signos empleados para el baile tienen un aire cómico. No obstante, siempre aparecen con una actitud comedida y como bella, no en revoltijos como representa el Aquelarre. En cada representación se percibe inmediatamente el ambiente teatral. Un tonto, repitiendo, los separa, tanto cuando se revuelven abrazados por parejas, como cuando cada uno de los dos grupos rodea a su pareja seduciéndola, y principalmente, en el ambiente final.

Cuarenta fotografías, la mayoría de ellas realzadas por un color rojo, iluminan mucho el libro. Es, además, muy favorecedor, porque el lugar y cambios de cada bailarín se hacen notar con colores. Dicho en general, los protagonistas del pueblo, los Bailes, al aparecer, lo hacen pulcramente y con detalles en grupos.

Parece un Aquelarre populoso, que desean crear la melodía, los signos y gestos falsos del baile. Sobre todo porque las melodías F) y H) con sus ritmos convierten el Aquelarre en muy agradable.
Prueba con el comienzo de la música F) y a ver si en los dos puedes tocar MI bemol y MI natural. En ambos casos tiene su toque, inmediato y perceptible. Si se opta el MI natural, los ritmos son alegres, y eso mismo se percibe con el SI natural.

La melodía H), que es la más agradable en cuanto a música y teatro, el Aquelarre entero, con Intxisu y Sorgin, parece ser la actuación más espectacular. Es un Aquelarre instruído y populoso, no informal ni feo. Tres veces en las tres notas pisadas los pies marcan con el zotarrain. Tras tres puñetazos, en un rato de silencio del puntillo hacen gestos de vuelo. Para que esta especie de Aquelarre resulte más bonito y agradable, apuntan al cielo con los dedos medios de las manos tres veces, al ritmo de los pies. En este Aquelarre, la influencia del Baile Teatral es más evidente. Como he dicho, no es un Aquelarre desordenado o feo, que se embellezca con el alboroto. Es un Aquelarre populoso de proceder humano.
Al final, todo el grupo baila el Fandango y el Arin-Arin al estilo vizcaíno.


Lasarte-Oria:

Antzuola:


TALLER LLAVALLOL-2014



EUSKAL DANTZAK
TALLER
LLAVALLOL 2014




El pasado 24 de Septiembre, los alumnos del taller de Euskal dantzak del colegio Llavallol, participamos del acto del dia del profesor en colavoración con el departamneto de arte de secundaria. Abordamos la tematica en la educacion desde la creación, tomando como base un contenido conocido. Fue un primer paso el cual repetiremos el año proximo, con más experiencia y con la ilusion que propicia ver que el escenario de nuestra institución propicia y promueve propuestas diferentes.

Aitor Alava
4/5/14

EUSKAL JAIA-2014-LLAVALLOL-I


LLAVALLOL
2014
                                                FIESTA VASCA

La Fiesta vasca de este año vendrá en varias etapas, las fuerzas de ahí arriba asi lo han dispuesto. Por lo tanto esta mañana del 4 de octubre el colegio estaba presto y dispuesto para este evento en el que tanta ilusión nos une y predispone, no pudo ser. Pero lo que la climatología impide, no es óbice para que la retina se maraville por lo que tenemos.







 Aitor Alava
4/10/14