De Doris Humphrey

EL ARTE DE CREAR DANZAS

LOS TEMAS

Estos pueden ser trascendentes, con un peso importante en el vivir diario o intrascendentes, lo que les hará resaltar será como y de que manera están rodeados  de un aura simbólica que realza el tema elegido/desarrollado.

QUE ES EL COREÓGRAFO INDEPENDIENTE

La inspiración puede estar motivada en ocasiones impulsada y acrecentada en ocasiones dentro de un marco determinado, pero puede suceder que el coreógrafo, el creador de bailes, no tenga ideas propias, que él pueda desarrollar y poner en práctica la inteligencia frente al tema a desarrollar es algo elemental y principal.

Las líneas, los desplazamientos, su topología, restas-curvas, curvas-rectas, son distintivas de épocas, lugares, acontecimientos históricos, llegar a plasmar dentro de la coreografía es conceptualizad histórico-geográfica es tarea del coreógrafo.

 Factores filosóficos, psicológicos, religiosos, filosóficos y estéticos, serán algunos de los pilares para la elección del tema, por parte de coreógrafo.

EL TEMA

El movimiento actuara como motor del tema, generando una acción,  matizándolo, colocándolo en relevancia e importancia, tarea esta imprescindible para que la coreografía tenga un desarrollo inconcluso.

La experiencia íntima del creador suele ser el germen para el nacimiento y posterior vida del tema-coreografía a tratar. Dando cabida desde la frivolidad hasta llegar al punto mas trágico. Este transitar coreográfico debe estar sustentado en los pilares del conocer coreográfico donde la forma y el movimiento, ellos  harán que el producto a presentar junto con los demás elementos de la creación, vestuario, música, estenografía, iluminación, realcen el tema desarrollado. Es tarea del corógrafo ordenar y equilibrar todos los elementos coreográficos, ya que hoy el caudal de información hace que podamos disponer de abundante información y recursos.

INGREDIENTES E INSTRUMENTOS

La composición coreográfica observa como en lo cotidiano, tato seres humanos como los animales nos desplazamos y convivimos con el otro y el medio ambiente de formas y maneras determinadas, obteniendo un diseño en el espacio determinado. Así aparecen como elementos del movimiento, el diseño, la dinámica, el ritmo y la motivación. Ya no tenemos pasos o secuencias sino elementos coreográficos.

SIMETRIA Y ASIMETRIA

El tiempo y el espacio son los aspectos que marcan al diseño coreográfico y colocan ala danza en la categoría de arte. La simetría/asimetría y a su vez presentándose cada categoría por oposición o sucesión son las subdivisiones coreográficas principales del diseño coreográfico, cada una con caracterizas propias y sugiriendo diferentes sensaciones a trasmitir y percibir: estabilidad(simetría), vitalidad agresiva(oposición).

EL DISEÑO

En el diseño de sucesión, la energía necesaria para el movimiento recorre el cuerpo, terminando esta hacia donde se dirige la vista. Cuando las inyecciones de energía son frecuentes, constantes, se tiene la impresión de que el bailarín actúa tocado por una fuerza que pasa por él. También se puede aplicar un elemento contrario para atenuar el efecto natural del esquema  principal

Diseño para una o mas personas:

Los compositores de danza suelen cometer el error de incluir en un grupo más movimientos de los que el ojo puede captar. El resultado no es una unidad, sino varias unidades simultáneas. Cuando  se logra una claridad básica en el diseño, todo resultara confuso. Los dos cuerpos deben presentar un diseño total definido, ya sea en oposición o sucesión simétrica o asimétrica. Dos cuerpos requieren líneas más sencillas que uno; y un mayor número requiere más simplificación, para mantener claridad y enfoque.

LA FRASE

Refiere al diseño en el tiempo. Es decir que un diseño espacial se continua en otro y la sucesión en el tiempo, da la forma. La “Teoría de la frase” es la organización del movimiento en el diseño corporal. La forma temporal de temporal de comunicación moderna en música, danza o leguaje tiene una duración de una respiración adecuada y un sentimiento ascendiente y decreciente. El movimiento, no esta restringido a la duración de la respiración,  pero se ve afectado por la forma emocional de la frase de la respiración.

El “Movimiento fraseado” es una descarga de energía con diferentes intensidades, seguida de una pausa. La razón por la cual resulta agradable el movimiento fraseado es porque las funciones del cuerpo humano tienen este fraseo, como el corazón que late y descansa.

La tensión y la relajación suelen obrar como reglas.

Los pasajes de baile largos/dilatados, sin fraseo, resultan fatigosos, y por otro lado las manifestaciones muy breves son insatisfactorias. Los bailarines no se atreven a menudo a detenerse por miedo a no resultar llamativos, obteniendo el resultado contrario, si no hacen pausa, aburren.

El espectador disfruta más si la forma se ajusta al conocido esquema de esfuerzo y de reposo. La danza debe armarse con frases, teniendo una forma reconocible de comienzo y terminación y con diferencias de duración para lograr variedad.

EL ESPACIO ESCÉNICO
Es preciso tener conciencia de la especial significación que tiene ese espacio, sus atributos, dimensiones y fines, diferentes de cualquier otro espacio. La composición/aprendizaje debería darse en el escenario. El estudio de danza es incompleto, ya que el aprendizaje es poco realista y el alumno no sabe nada acerca del escenario. Cuando un bailarín  camina por una de las diagonales desde la derecha del foro hacia la izquierda de la desembocadura, se lo verá andando por el sendero mas expresivo del escenario; aparecerá investido de fuerza heroica. Se observan los cambios de énfasis a medida que la figura camina por la diagonal. El influjo del centro lo fortalece: en el centro no hay conflicto peligroso, todo es equilibrio. El centro, a menudo llamado erróneamente “punto muerto”, es el punto mas intenso expresivamente en el escenario, pero implica una debilidad. Después de algunos momentos la fuerza comienza a desvanecerse, se diluye su fuerza.

Todas las zonas del escenario parecen tener un ritmo fluctuante creciente y decreciente. El abuso las agota, el descanso les da aire. El bailarín en el centro del escenario esta en la plenitud de su fuerza. Luego se dirige a la esquina de la embocadura, y ahí esta el punto débil entre el centro y la esquina: llega el proscenio. Cuando esta cerca de la salida tomamos contacto con él, es un amigo, no es una abstracción, es un semejante.
Las zonas del escenario apoyan y destacan diversas concepciones o las niegan.

Todo el centro del escenario es fuerte, pero nos encontramos con el “punto muerto” que es el de máxima potencia. Una figura cuando esta lejos es misteriosa, a medida que avanza aumenta su poder. Por otro lado la distancia produce fascinación, y eso se comprueba en la danza. El avance directo es poderoso porque el cuerpo produce una comunicación franca.
El círculo produce sensación de continuidad.

Hay 6 zonas débiles y 7 zonas fuertes en el escenario. Los principales senderos de irradiación son los de las diagonales y el que baja por el centro; los costados son ineficaces para las salidas y los mutis. Exceptuando las esquinas y el centro del foro, los demás puntos son débiles para salir a escena o desaparecer.

Doris Humphrey dice que es de gran entusiasmo para el coreógrafo el espacio abierto y vacío, ocupado sólo por bailarines, a diferencia de óperas o las obras en que se encuentran múltiples elementos, llamándolo como caos.

La luz contribuye a la atmósfera, y a la construcción de la coreografía, por lo tanto la iluminación debe tenerse presente al elaborar una coreografía.

DISEÑO PARA PEQUEÑOS GRUPOS
El término grupo en la danza surgió en las compañías de danza moderna. Antes se denominaba “cuerpo de baile” o “bailarines”, para distinguirlos de los solistas.

Hay una diferencia social implícita cuando aparece la palabra “grupo” para definir la nueva relación entre los participantes en una forma de danza que corresponde a una idea totalmente democrática del concepto y de la palabra. La danza moderna se ha basado en conceptos totalmente distintos de las relaciones humanas y por tanto de los bailarines. Los grupos no eran anónimos ni estaban formados por los bailarines menos dotados. Se prepararon y desarrollaron en las personalidades en las compañías porque el papel del grupo era de vital importancia. En algunos casos todo el peso de la danza recaía en el grupo, y los solos carecían de relevancia.

Al abordar un trabajo de grupo es fundamental destacar la dignidad e importancia del individuo. La relación recíproca entre motivos y personas en la danza refleja la manera de pensar democrática. La utilización de un gran número de personas impone menos dificultad, aparece el diseño lineal. Para comenzar es conveniente elegir oposiciones simples: agresión - timidez, perderse – encontrarse, etc.

LA DINÁMICA
“Pienso en la dinámica como en una escala que se extiende desde la fluidez de la crema hasta el rigor incisivo del martillo”.
Tanto las escalas, como las calidades, como los tonos, son susceptibles de infinitas variaciones en el tiempo y en la intensidad, pudiendo ser:

-Lento – suave con fuerza
-Rápido – suave sin tensión
-Rápido – brusco con tensión.

La dinámica fuerte y la velocidad actúan como estímulo, mientras que lo suave y lo lento es tranquilizante. Prolongar mucho las figuras/dinámica, produce agotamiento en el espectador.

EL RITMO
El hombre tiene 4 fuentes de organización rítmica: el aparato de la respiración, el canto y el habla, que dan origen al fraseo; y el ritmo de la frase; ritmos de funciones orgánicas, como el corazón; el mecanismo propulsor, las piernas; el ritmo emocional.

En el hombre el andar es la pauta de la caída: la base es ceder a la gravedad y rebotar.

LA MOTIVACION Y EL GESTO.
El movimiento siempre tiene un motivación; siempre alguna fuerza en la causa del cambio de postura. El movimiento se funda en un propósito, debe estar presente el sentimiento, que impide una ejecución mecánica y técnica. Hasta la danza técnica tiene una motivación.

La danza esta arraigada al terreno de la comunicación. Debe haber relación entre motivación y movimiento. El bailarín puede recurrir a estos movimientos para valerse de ellos; son como palabras conocidas para las que no tiene que inventar un sustituto.

Aitor Alava

17/9/14