LATINOAMERICA Y SUS DANZAS

LATINOAMERICA

Músicas populares y tradicionales latinoamericanas. Canciones, danzas e instrumentos

-Prof. Alejandra Argañaraz

-Aportes: Prof. Mónica Guadalupe

Introducción

La variedad geográfica y climática que caracteriza a América Latina se refleja también en el plano cultural. Lejos de presentar una identidad monolítica, la riqueza cultural  de nuestro continente está en la diversidad de costumbres, manifestaciones religiosas, expresiones artísticas, formas de vestimenta, hábitos alimenticios, idiomas,  que van construyendo el “ser latinoamericano” en la realidad de cada región.

Tal diversidad es el resultado de complejos procesos históricos de interacción y mezcla de aportes culturales indígenas, europeos y africanos. Cada uno de estos aportes supone también una amplia diversidad en la que se recogen múltiples tradiciones y procedencias. Lo que vuelve inapropiado hablar de ‘lo indígena’, de ‘lo europeo’  o de ‘lo africano’ como formas culturales homogéneas.

Es importante señalar aquí, que las condiciones en que se dieron estos procesos  no fueron de simples “encuentros culturales” voluntarios o pacíficos. A partir del período de la conquista y colonización, la cultura europea se instaló en nuestro continente como forma cultural dominante, sometiendo a grupos de indígenas y africanos a procesos de desarraigos de sus prácticas culturales.

Pero es a través de las inevitables mezclas y sincretismos, que muchas tradiciones de las culturas en situación de sometimiento se han proyectado y resignificado en nuevas realidades. Es así que surgen manifestaciones como la Santería, el Vudú o el Candombe  entre muchas otras.

En este contexto tan complejo y dinámico, han tomado forma expresiones musicales en la que los distintos aportes se reflejan con pesos diferentes. Éstas se manifiestan como géneros musicales tradicionales en algunos casos (el huayno, etc.), o como expresiones populares que alcanzan difusión masiva (el samba, el reggae y otros)

Estas influencias culturales se reflejan en formas de ejecución, ritmos, tipos de emisión vocal, coreografías, expresiones lingüísticas, géneros musicales y estilos de las músicas latinoamericanas.

Aportes culturales en la música latinoamericana

Aporte indígena

La principal actividad musical prehispánica se organizó alrededor de dos centros: el imperio mexicano (aztecas, mayas, chibchas, y otros) y el imperio incaico. Quedan pocos rastros de la actividad musical de muchas de las comunidades indígenas de Latinoamérica.

En cuanto a los aportes musicales de las culturas indígenas, melódicamente es importante mencionar la presencia de las escalas pentatónica (cinco alturas) que se encuentra en varias regiones por ejemplo la andina, y la tritónica (tres alturas) que se encuentra por ejemplo en la baguala argentina. También encontramos aportes de tipo rítmico y formas de ejecución, especialmente vocales.

Debemos aclarar que cuando nos referimos a comunidades indígenas actuales, debemos dejar de lado la imagen que nos ofrecen las películas de los indígenas vestidos con un taparrabo y con plumas.  En la actualidad la gran mayoría de las comunidades indígenas tiene acceso a la radio, se visten como nosotros, y si bien conservan muchos de sus elementos tradicionales, han incorporado elementos de otras culturas con las que han tenido contacto.

Aporte africano

La población africana fue distribuida en forma desigual en todo el continente al ser traídos por los colonizadores para trabajar como esclavos.

En lo musical sus principales aportes fueron a nivel rítmico. Cuba, Haití, Brasil, Panamá, Colombia y Venezuela son los países que conservan más elementos del aporte africano (instrumentos, patrones rítmicos, giros melódicos, elementos expresivos).

Lo más reconocible auditivamente como de influencia africana es la presencia de la síncopa: recurso rítmico que consiste en una figura de cierto valor antecedida y sucedida por figuras de valor inferior.

Aporte europeo

El aporte musical europeo se produjo fundamentalmente en dos etapas:

En el siglo XVI cuando se instalaron en el continente americano imponiendo su cultura sobre la local, y con el gran alud migratorio que se produjo a fines del siglo XIX y principios del XX. En el siglo XVI llegan a América órganos, campanas, guitarras, arpas diatónicas, flautas y vihuelas; más adelante llegan violines, trompetas, clavicordios, mandolinas, acordeón, bandoneón. Algunos de estos instrumentos son actualmente representativos del folklore latinoamericano. La vihuela y la guitarra tienen sus variantes americanas: jarana huasteca, requinto, tiple, bandola, cuatro, guitarrón, charango.

En cuanto a géneros musicales llegaron a nuestro continente: villancicos, alabados, pregones, tonadillas, coplas. El llamado cancionero europeo antiguo se conserva hoy en toda América: canciones infantiles, romances.

Géneros y cancioneros de América Latina

Podemos señalar algunos cancioneros que son comunes en gran parte del territorio latinoamericano, como es el caso del cancionero europeo antiguo, que implica romances, arrullos, pregones, villancicos, cancionero infantil.

Lo mismo sucede con ciertas funciones que cumple la música como las canciones de trabajo, cantos religiosos (que en Cuba se manifiesta como música de santería).

Los cantos de trabajo, no deben confundirse con los cantos que entonan los pueblos cazadores y agricultores para propiciar una buena caza. Los cantos de trabajo son generalmente de ritmo libre, cuando son individuales; y responsoriales cuando son colectivos.

Otro término que aparece en gran parte del continente son los bailecitos. Así designaban los viajeros a los bailes que se practicaban en América Latina desde fines del siglo XVII, diferenciándolos de las Danzas que habían llegado de Europa como el minué, la mazurca y otras. Con el nombre de bailecito también se denomina a una danza del norte argentino y Bolivia de influencia indígena.

Cuadro con principales expresiones musicales populares y tradicionales de Latinoamérica por país

URUGUAY Pericón Milonga-Estilo Polka canaria Gato-huella Chamarrita Malambo Carangueijo Candombe Murga	ARGENTINA Tango Milonga Zamba Gato Vidalita Malambo Tonada	CHILE Cueca Tonada Cachimbo Sombrerito Tirana	PARAGUAY Polca Chamamé Chopi Guaraña
BRASIL Lundú Batuque Samba Modinha	PERU Marinera Huayno Yaraví Pasacalle Vals Landó	BOLIVIA Huayno Yaraví Pasacalle	ECUADOR Sanjuanito Pasillo
COLOMBIA Vals Pasillo Bambuco Vallenato Torbellino Cumbia	VENEZUELA Joropo Vals Pasillo	PUERTO RICO Décima Plena Son	PANAMÁ Cumbia Tamborito
REPÚBLICA DOMINICANA Merengue Bachata	OTRAS ANTILLAS Calypso Plena	CUBA Criolla Danza Danzón Guajira Guaracha Rumba Son	MÉXICO Son Corrido Huapango Jarabe

A continuación presentamos una selección de géneros musicales e instrumentos latinoamericanos ordenados por país. Si bien no están presentes todos (lo que sería imposible) consideramos que es una muestra representativa de las principales expresiones de nuestro continente.

Uruguay

El candombe

Se trata de un ritmo y danza afrouruguaya. Los esclavos traídos de África a Montevideo, que comenzaron a llegar en 1750, se organizaron en sociedades llamadas Naciones, según la región de África de que provenían, donde, entre otras actividades realizaban las prácticas musicales propias de su país de origen.  A lo largo del año la comunidad africana celebraba diversas fiestas rituales, algunas de ellas resultado del sincretismo con la religión católica. De estas festividades las más importantes eran el día de “la Coronación de los Reyes Congos” que se festeja el 6 de enero (el día de Reyes) también referido como el día del rey Baltasar, el día de la virgen del Rosario y el día de San Benito (el santo negro).  A fines del siglo XIX estas festividades caen en desuso. La coreografía realizada en dichas celebraciones dará origen a lo que hoy conocemos como candombe.

Las comparsas de candombe actuales están conformadas por: una cuerda de tambores (en sus tres tamaños: chico, repique y piano), un cuerpo de baile (mama vieja, gramillero, escobero, vedette, bailarinas y bailarines), y los emblemas (estandarte, banderas, estrella y medialuna). Los posibles contextos de esta expresión son desfiles como el Desfile de Llamadas o el de Carnaval, o presentaciones en escenario, donde además algunos integrantes cantan y actúan.

La murga

Una definición oficial que rige para el Concurso Oficial de Agrupaciones Carnavaleras y es tomado como referencia en todo el país:

“La Murga, esencia del sentir ciudadano, conforma una verdadera auto-caricatura de la sociedad, por donde desfilan identificados y reconocidos, los acontecimientos salientes de la misma, lo que la gente ve, oye y dice, tomados en chanza y en su aspecto insólito, jocoso y sin concesiones, y si la situación lo requiriera, mostrará la dureza conceptual de su crítica, que es su verdadera esencia. El contexto del libreto, así como la crítica social tendrán un nítido sentido del ingenio, picardía y autenticidad. La veta de protesta punzante, irónica, aguda, mordaz, inteligente y comunicativa, es la estructura y esencia de la Murga/…/La pintura o maquillaje del rostro es fundamental para contribuir al complemento del vestuario/…/Los instrumentos básicos y esenciales serán bombo, platillo y redoblante/…/ Estos conjuntos estarán compuestos con un mínimo de catorce y un máximo de diecisiete integrantes.” (Reglamento Municipal del Carnaval de la Intendencia de Montevideo)

El concepto “murga” se aplica además a toda la agrupación, incluyendo integrantes que no aparecen en escena. También el término murga se utiliza para definir las características del espectáculo que realiza dicha agrupación, estructurado en tres partes: presentación o saludo, cuplé/s y retirada o despedida.

El pericón

Es considerada la danza nacional uruguaya por excelencia. Al pericón nacional, en su versión pautada por Gerardo Grasso, también se lo denomina “el nacional”. Se puede hablar de tres períodos en la vida del pericón:

-Su aparición en crónicas del siglo XVIII con el nombre de Perico definidas como seguidillas cantadas. A partir de esa fecha la palabra pericón aparece en numerosos documentos. En la década de 1820 se incluye en sainetes que se presentan en La Casa de las Comedias.

-A fines del siglo XIX resurge  es estrenado en 1887 por la Banda de la Escuela Nacional de Artes y Oficios dirigida por Gerardo Grasso. Hacia 1906 se crea una variante del pericón “de salón”.

-En el siglo XX se produce una institucionalización del pericón como danza nacional, y se baila en las escuelas de todo el país.

VOCES DE MANDO DEL PERICÓN ANTIGUO: Balanceo y espejo a la voz de aura Demanda con la   contraria Reja Grandota Cadena y contracadena Al llegar a la compañera un vals Postrera y cielo

VOCES DE MANDO PERICÓN 1-Balanceo y espejo a la voz de “aura” 2-Balanceo al centro Por ahí nomás 3-Giro y demanda con la contraria 4-Medio molinete de mozas 5-Giro y demanda con la contraria 6-Molinete de mozas 7-Un vals con la compañera 8-Una si y una no, con la que viene espejo 9-Una si y una no, con la que viene armas al hombro 10-Parapetearse con la compañera

11-Uno atrás del otro, 12-Rueda grande    • 13-Relaciones- 14-Cadena 15-Contramarcha 16-Al llegar a la compañera ellos adentro  y nosotros afuera 17-Coronarla 18-Ellas a nosotros 19-Deshacer ésta corona con un paseo al campo 20-Pabellón de la Patria 21-Deshacer este pabellón con un paseo.

POLKA

Según Carlos Vega se clasifica como danza de pareja tomada enlazada apicarada.

Su nombre proviene del termino bohemo (checo) “pulka” que significa mitad o medio,  refiriéndose al medio paso o sobrepaso que al bailarse se realiza.

Es una danza de ritmo binario y subdivisión ternaria, con gran vivacidad y frases de 8 compases.

La polka llega simultáneamente al Uruguay por la vía del Salón y del Teatro, a mediados del siglo XIX.

En América surgen variantes como el “chamamé” en Argentina y la “Polka canaria” en Uruguay. Otras variantes son: criolla, con relaciones, tangueada, campesina, cruzada, militar, del pavo y de la silla.

El paso de polka consiste en una flexión hacia adentro de una pierna, mientras la otra realiza un pequeño paso o sobrepaso; el cuerpo se inclina graciosamente hacia el lado de la pierna que se flexiona.

FORMACIÓN:

Es bailada con tres parejas que se  colocan enlazadas, dos de un lado y la otra enfrente.
Su coreografía es la siguiente:

Introducción –8compases Galopas laterales—————–12compases Rulé———————————8compases Redonda y cambio de lugar——8compases Rulé———————————8compases Redonda  y cambio de lugar—–8compases Rulé———————————8compases Redonda y cambio de lugar——8compases Rulé———————————-8compases Galopas laterales——————-8compases

HUELLA

Danza de pareja suelta independiente. Se caracteriza por ser una danza de galanteo con referencia cortesana y señorial, cuyo paso por el salón se ve reflejado en el movimiento de las manos. Después de su pasaje por el Salón colonial, trasciende y se acriolla.

También se canta (danza-canción) y sus letras son muy representativas de la época de las batallas independentistas, basándose (como en el Gato) en seguidillas.

En Uruguay se encuentran pocas referencias de la huella pero se sabe que apareció a fines del siglo XVIII y permanece hasta los  principios del siglo XIX.

Esta danza es compartida con Argentina y se dice que su ritmo lento y pausado recuerda el pasar de los carros dejando su huella.

Primera parte

Introducción con castañetas———————–16 compases
-Se chasquean los dedos haciendo castañetas bajas-
Media vuelta——————————————4 compases
Giro —————————————————-4 compases
Media vuelta——————————————4 compases
Giro—————————————————–4 compases
Zapateo y zarandeo, espejo con giro————–8 compases
Zapateo y zarandeo, espejo con giro————–8 compases
Media vuelta—————————————– —4 compases
Giro final.————————————————-4 compases
Segunda parte
Introducción con castañetas———————–16 compases
Media vuelta——————————————–4 compases
Giro——————————————————-4 compases
Media vuelta——————————————–4 compases
Giro——————————————————–4 compases
Zapateo y zarandeo, espejo con giro————-8 compases
Zapateo y zarandeo, espejo con giro————-8 compases
Media vuelta———————————————4 compases
Giro final.————————————————-4 compases

CHAMARRITA

Danza de pareja suelta en conjunto;  muy común en la  frontera norte, se hace conocer además por otros nombres como China-Rita, Chamarrita o Simarrita y se extendió hasta la provincia de Corrientes (Argentina). Llamada además la “limpia bancos”  porque al escuchar su música nadie quedaba sentado.

Según nuestro musicólogo Don Lauro Ayestarán   en una “canción danzada, la forma de su estrofa literaria nos va a dar la pauta de su morfología musical.”·; esta danza canción tiene pasos de polka, y perteneció al grupo de danzas del Fandango de Río Grande do Sur, pero al llegar al interior de nuestro país  encuentra variantes musicales.

De ritmo binario y alegre, se acompaña mayormente por el acordeón verdulera y se baila en dos partes.

COREOGRAFÍA          -Primer parte-
Balanceo (ellas) y palmoteo (ellos)———8 compases
Zapateo y floreo——————————16 compases
Ellos  realizan el zapateo de chamarrita mirando a su    compañera y girando hacia ella.
Ellas: siempre con las manos en la polleras y mirando   al compañero, avanza y retrocede en zig-zag.
Avance——————————————4 compases
Con paso básico se avanza hacia el público y se saluda al compañero en compases alternados esta figura se hace con los brazos en media luna a la altura de los ojos, dispuestos de forma como para dar un abrazo.
Retroceso—————————————4 compases
Media vuelta———————————–4 compases
Media vuelta de espaldas ——————–4 compases
Balanceo—————————————-2 compases
Fideo fino ————————————–4 compases
Giro y saludo———————————–2 compases
Se repite la misma coreografía en la segunda parte.

GATO

Danza canción,  que según la clasificación de Carlos Vega es de pareja suelta independiente. Se da por excepción en Uruguay  dentro de las picarescas o apicaradas,“ágiles y airosas en tiempos vivos, generalmente con pañuelos, castañetas y zapateos”.♫ 

Antiguamente en Perú, su nombre completo era “el gato mis mis”, se bailo en Uruguay en la primera mitad del siglo XIX y principios del XX ; también se le llamó bailecito en la Argentina.

Aquí en el Río de la Plata, tiene algunas variantes tales como: Gato encadenado, valseado, polkeado, en cuatro, con relaciones o patriótico.

Su coreografía se basa en redondas, medias vueltas, giros, zapateos y zarandeos.

La estructura tiene versos en seguidilla, repitiendo el primer  y segundo verso (al que se le agrega el “si” al comenzar), luego hay un intermezzo o  interludio en el que mientras el paisano se luce con su zapateo, ella zarandea sus faldas en respuesta; se canta un tercer verso al que le continua otro intermezzo, culminando la primer parte con el verso número cuatro. Todo esto se repite con cuatro nuevos versos en la segunda parte  y al bailarse dos veces la pareja termina donde comenzó, al igual que en la Chacarera y la Cueca.

coreografía
Primer parte
Palmoteo—————-8 compases
Redonda—————–8 compases
Giro y contragiro
(opcional)·————–8 compases
Zapateo y zarandeo—-8 compases
Media vuelta ———–4 compases
Zapateo y zarandeo—-8 compases
Giro final—————-4 compases

Malambo

Según Carlos Vega es una danza  individual, que se da en Uruguay y Argentina. En su origen es bailada solo por hombres  y se caracteriza por su  zapateo.

Acompañado por guitarra y a veces bombo, el bailarín muestra su destreza a través de una serie de movimientos dentro de un área chica de suelo, en las que va renovando sus figuras con un zapateo. Éste se basa en el ritmo constante del acompañamiento, llamando a esto “mudanzas”.

La mudanza es una serie de figuras del malambo, que están unidas por un repique; éste repique en Uruguay, puede ser de estilo norteño,(rápido y ágil) o sureño (moderado y elegante).

Es una danza de habilidad, ingenio y destreza, que se acompaña muchas veces por cuchillos o boleadoras.

Como en la payada también surge una versión de contrapunto, en la que dos o más contrincantes se retan a malambear. Los retadores se alternan y repiten sucesivamente los pasos del contrario haciéndole una variación hacia el final, con el fin de de complicarlo.

Cuando uno de los dos no puede devolver la mudanza de su contrincante, se dará por terminada la competencia.

CARANGUEIJO

El  Carangueijo es una danza portuguesa cuyo origen es en las islas Azores y la isla Madeira (oeste de Portugal, en el océano Atlántico).

Llega a esta zona en 1851, junto a la Chamarrita y otras danzas pertenecientes al Fandango Río Grandense.

Danza alegre y movida, que se incluye en el segundo ciclo del folklore proyectado por el musicólogo Lauro Ayestarán, el cancionero Norteño.

Según la clasificación del argentino Carlos Vega, es una danza de pareja suelta en conjunto de gran vivacidad.

Esta danza puede ser cantada, generalmente en español o portuñol. Consta de semiperiodos de ocho compases y se basa en cuartetas octosílabas.

FORMACIÓN:   en flor, las damas  se colocan en el centro  y los caballeros enfrentándolas.

Primera parte
Introducción ———————————-8compases
(El caballero palmas y dama balanceo)
Rombo y zapateo—————————–4compases
Molinete—————————————–4compases
Espejo y retroceso—————————-4compases
Molinete——————————————4compases
Media vuelta con compañera—————4compases
Cambio de compañero———————–4compases

(Los caballeros dibujan una “s” hasta llegar a la diagonal mientras las damas se van corriendo un lugar en sentido antihorario)

Segunda y tercera parte

Luego de cambiar de pareja se omite la introducción, llegando así en la tercera parte a encontrarse con el compañero de inicio.

Formación final: la flor formada en un comienzo se invierte, quedando las parejas ubicadas en la diagonal opuesta a la que comenzaron.

Chile

La cueca

El origen de la cueca, reconocida como danza nacional en este país, es particularmente confuso. La zamba viene de Perú y se difundió en Argentina y Chile. En Chile surge la zamacueca que absorbió coreográficamente a la zamba. En Argentina mantiene el nombre de zamba. En algunas provincias argentinas se la conoce como la chilena. Al arribar a Perú adquiere el nombre de marinera.

La cueca es danza de pareja suelta independiente con fuerte carácter amoroso; el lenguaje del pañuelo en manos de los bailarines es sumamente importante.

La estructura de la cueca se basa en una cuarteta seguida por siete versos, terminando con un pareado. Es característica la alternancia entre pies ternarios y binarios sobre el acompañamiento en 6/8 a cargo de la guitarra o el arpa, con percusiones en la caja (cajoneo).

Su coreografía incluye una vuelta de pareja suelta que corresponde a las cuatro primeras frases musicales repetidas. Dos medias vueltas para la segunda cuarteta repetida y una media vuelta para el cambio de sitio sobre el par de versos finales

Argentina

La zamba

La zamba es una danza de pareja suelta e independiente. Al igual que la cueca chilena desciende de la antigua zamba peruana. El pañuelo juega un importante rol, ya que a través de éste los bailarines expresan estados de ánimo y deseos a través de insinuaciones.

El hombre festeja a la mujer y ella acepta, aunque lo esquiva. Luego, llega el triunfo del varón, que la corona poniéndole el pañuelo, como abrazándola.

COREOGRAFÍA
Introducción                         8 compases
(adentro)
vuelta entera                       8 compases
arresto                                  4 compases
media vuelta                        4 compases
arresto doble                       8 compases
media vuelta                        4 compases
arresto                                  4 compases
¡aura!
media vuelta al encuentro y coronación

El chamamé

El término significa “medio español, medio guaraní”. El chamamé es una especie coreográfica nacida en el Litoral argentino como fusión de danzas populares, como la polca en varias de sus manifestaciones regionales, y el tango; presenta fuerte presencia del idioma guaraní en su expresión cantada. Para algunos investigadores su origen está en la música criolla del Perú, otros lo vinculan con la polca paraguaya y con el chotis. Se desarrolla en la primera mitad del siglo XX. El chamamé es un ejemplo de la importancia de los medios de comunicación para la difusión de las músicas populares a partir del disco y la radio (por ejemplo el grupo Ambos).

 El primer chamamé que es nombrado con este término es “Corrientes Potí” (La flor de Corrientes), grabado en 1930 por el cantor paraguayo Samuel Aguayo, compuesto por Diego Novillo Quiroga y Francisco Pracánico. A partir de esto se constituye como especie instrumental y coreográfica.

La sonoridad del chamamé está asociada al acordeón como principal instrumento (sustituida en muchas ocasiones por el bandoneón), acompañado de guitarra y también de arpa. Es danza de pareja independiente abrazada.

La chacarera

Es una especie coreográfica de gran difusión. Aparece en las crónicas a partir de la segunda mitad del siglo XIX.

La formación de uno de los conjuntos instrumentales típicos para su ejecución es:

– acordeón, instrumento muy frecuente en las versiones instrumentales

– violín, en un interesante ejemplo de su uso popular

– guitarra, generalmente rasgueada, con algunas intervenciones punteadas

– bombo, membranófono derivado de instrumentos militares europeos, que en muchas piezas produce birritmia con la melodía.

Muy frecuentemente la chacarera es cantada, con acompañamiento de guitarra, pero lo mismo que el  gato, puede ser exclusivamente instrumental, como en este caso. El arpa también puede intervenir. Es danza  de pareja suelta independiente, pero puede ser interpretada por una pareja o “en cuarto”, es decir, por dos parejas. Se baila haciendo castañetas durante toda la ejecución; puede incluir zapateo masculino y escobilleo de la mujer. Es danza de cortejo, considerada picaresca. Integra toda una generación de danzas que, a fines de la Época Colonial, irradiaron desde Perú a toda la América de habla hispana. Esta danza, al igual que la cueca y el gato, se baila dos veces para que la pareja termine donde comenzó.

Paraguay

El arpa paraguaya

Al llegar los españoles a lo que sería con el tiempo la República del Paraguay, poblada por los indios Carios; recuerdan las crónicas que, entre los que acompañaron a Sebastián Gaboto en su viaje al Río de la Plata, en el año 1526, arribó un tañedor de arpa de nombre Martín Niño.

Al producirse allí el cruzamiento se produjo un fenómeno de transculturación y surgió de esta fusión la cultura paraguaya. El arpa paraguaya se originó en la fusión de estas dos civilizaciones. Este instrumento fue adoptado por los nativos, quienes lo perfeccionaron a su manera, construyéndola de madera americana, logrando una notable estilización y creando su propio repertorio. La evolución de arpa clásica no afectó mayormente a la paraguaya, pues ésta tomó otros rumbos en su progresivo mejoramiento. Un ejemplo de ello es la no adaptación de los pedales y clavijeros mecánicos que facultaban a la clásica para modular en distintas tonalidades, de ello, el arpa paraguaya resulta con ciertas posibilidades disminuidas, al no poseer la escala cromática, originada por esos nuevos elementos.

El arpa paraguaya tiene 32, ó modernamente 36 cuerdas. Las hay también de 38 y 40 cuerdas. En total abarca 5 octavas. La afinación en el Paraguay es individual, sin alteraciones. Muchos la afinan en Sol Mayor. Tiene pues el instrumento sólo las posibilidades de todos los acordes de esta escala.

En general se ejecuta la melodía con la mano derecha en las cuerdas más altas, más alejadas del cuerpo del arpista. La afinación se hace por intermedio de una llave, que prácticamente suele ser un viejo picaporte de puerta. Con la mano izquierda se usan sólo los pulpejos de los dedos, con la derecha los pulpejos y, si se quiere obtener un sonido más brillante, también las uñas. Suelen tener cuerdas de distintos colores para facilitar la orientación del músico. Esto es individual. El instrumento es muy liviano. No tiene partes metálicas.

Sus ejecutantes realizan su aprendizaje de generación en generación a través de la tradición oral, creando una técnica propia, ejecutando la melodía con la mano derecha, usando las uñas en lugar de las yemas de los dedos como los arpistas clásicos; el acompañamiento lo hacen con la izquierda y en lo referente al modo de interpretar su música, tiene una personalidad bien definida.

También podemos apreciar su presencia en México, Venezuela, Perú, Chile y Argentina, pero en estas regiones se usa como instrumento de acompañamiento, en cambio en el Paraguay se lo utiliza como instrumento base de conjuntos y su difusión es intensa y en cuanto a su estructura, difieren fundamentalmente entre sí. Se utiliza tanto para acompañar, como para tocar como solistas.

Brasil.

La capoeira

La capoeira surge en el siglo XVII cuando las tropas holandesas invaden Pernambuco y los esclavos se agrupan en organizaciones independientes con sus propias leyes y gobierno conocidas como quilombos. Allí es donde se esconden, se protegen, y sobreviven en comunidad.

El birimbao acompaña, junto con otros instrumentos  (pandeiro, ganzá, atabaque, agogó, caxixi), un tipo de danza popular, la capoeira, danza de desafío, masculina, con rasgos gimnásticos, introducida en Brasil por esclavos provenientes de la zona de Angola.

Fue en las “Senzalas” (Lugar en el que vivían y dormían los esclavos) donde se produjeron las primeras manifestaciones de capoeira ante la necesidad de libertad que tenían estos esclavos, esta danza simboliza la lucha frente a la esclavitud. De 1890 a 1937, esta danza fue considerada crimen inscrito en el código penal de la república; la simple práctica de algún movimiento de capoeira en la calle daba hasta 3 meses de prisión.

Actualmente esta danza tiene gran popularidad; en Brasil es frecuente, además de su transmisión espontánea, la enseñanza formal en “academias”.

El batuque o samba

Llegó de Angola o del Congo. Es baile de rueda con un danzante solista en el centro o una o más parejas. La coreografía incluye movimientos de caderas, zapateados, palmadas, castañetas. Derivan de esta otras danzas, y actualmente se la denomina samba

El samba es oriunda probablemente de la “semba” (que significa “ombligada”, en quimbundo, lengua africana), la palabra samba surgió para designar diversas danzas populares -con coreografías similares al batuque- practicadas en todo Brasil. Sin embargo, la forma de samba que se consolidó como el más popular del país tuvo sus orígenes en la ciudad de Río de Janeiro.

Inicialmente danzado por los habitantes de los morros y enriquecido por el aporte de contingentes de negros que venían de Bahía, pronto se transformó en el samba urbano carioca, género a cuya tradición se afiliaron los más importantes creadores de la moderna música brasileña. Esta tradición empezó a ser reconocida en 1917, año en que el cantante Donga grabó el primer samba, titulado Pelo Telefone.

Según José Ramos Tinhorão “a medida que entramos en la década de los años 20, el samba se constituye en el ritmo que establece el denominador común entre el carnaval de los pobres, de los ricos y de los sectores medios, convirtiéndose en un medio de representación al mismo tiempo popular y moderno de Brasil”.

Ecuador

De la música indígena anterior al período colonial, apenas quedan rastros, debido fundamentalmente a que las diversas nacionalidades autóctonas carecieron de un sistema de notación musical.

Sabemos con cierto grado de certeza que se trataba de música pentatónica, que utilizaba básicamente instrumentos de percusión y de viento, construidos con materiales propios de cada una de las zonas:  caña guadua, materiales vegetales huecos, huesos o plumas de ave para los instrumentos de viento -dulzainas, ocarinas, flautas de pan, rondadores-, troncos, pieles de animales curtidas, lascas minerales para los de percusión -bombos, cajas, primitivos xilófonos-.

En la época colonial e incluso hasta inicios de la republicana la música es básicamente de carácter religioso: lírica devota y popular religiosa. Los músicos de la época tenían una estrecha relación con la Iglesia, ya que habitualmente desempeñaban funciones de maestros de capilla o directores de los coros. La música profana se expresaba fundamentalmente en las bandas -parientes cercanas de las murgas españolas-, que se utilizaban en las festividades populares y religiosas para divertir al pueblo, algo de música de cámara se escuchó en los salones de la Real Audiencia de Quito, principalmente gracias al apoyo de determinadas autoridades coloniales. Los escasos compositores orientaban su trabajo hacia la realización de piezas para ser interpretadas en los oficios religiosos -maitines, coros, canciones de alabanza- y las primeras canciones populares, siempre con motivos religiosos. Surgen así los villancicos, que aún se cantan en la actualidad.

El acento en los primeros años republicanos se da en la música popular:  liberada la sociedad del estrecho compromiso con la religión, genera mecanismos fundamentalmente lúdicos, lo que en la música se expresa en la profusión de bandas de pueblo. Existe también un destacado trabajo en la ejecución de música militar, ya que todas las unidades del ejército contaban con cuerpos de música. En los salones del siglo XIX se bailan valses, polcas, mazurcas y pasodobles, música importada de Europa, música galante y ligera. En las fiestas populares se escuchan también pasodobles y valses, pero predomina la música mestiza que tendrá un mayor desarrollo en el siglo siguiente: pasacalles, aires típicos. En los sectores campesinos e indígenas, se conserva un indeclinable amor por los acentos de instrumentos ancestrales: rondadores, pucunas, dulzainas, bombos, y por una música que aunque suena triste para oídos extraños, continua teniendo una significación propia, ceremonial, para los herederos de quitus, cañaris e incas. Obviamente estas expresiones musicales se encuentran fuertemente influenciadas por más de tres siglos de dominación española.

Bolivia

La música popular boliviana ha sufrido muy pocas transformaciones debido al aislamiento geográfico del país. Todavía se utilizan instrumentos prehispánicos, muy parecidos a los de Perú y norte de Argentina, variantes del sikus o de la quena. Danzas típicas bolivianas son: el carnavalito y la cueca o marinera. Los instrumentos son sicus, hechos de caña o de cerámica, cerrados por su extremo inferior, además de quenas y tambores.

El huayno

Es un género que Bolivia comparte con Perú, donde tuvo origen. La coreografía básicamente es con las manos del hombre sobre los hombros de la mujer para iniciar. Pasos en zig-zag con las piernas semidobladas mientras la mujer se mueve en líneas paralelas moviendo un pañuelo o la falda.

El Huayno, expresión de alegría, expresión del espíritu exteriorizado en forma musical poética, constituyó el baile más conocido en todo el Imperio de los Incas, siendo hasta ahora el más tradicional en todo los pueblos de la serranía, y más aun por su gente.

El escritor peruano José Maria Arguedas nos dice: “El Huayno es como la huella clara y minuciosa que el pueblo mestizo ha ido dejando en el camino de salvación y creación que ha seguido. En el Huayno a quedado toda la vida, todo los momentos de dolor, de alegría, de terribles luchas y todo los instantes en que fue encontrado la luz y la salida al mundo grande en que podía ser como los mejores.”

El expresar un estado de emoción, encontrando una nueva influencia foránea: en el proceso de transculturación. A comienzos de la época colonial, se establece un pueblo andino con alma mestiza que se transmite en el Huayno, genero que como ya mencionamos es de gran difusión en el área andina. Este encierra una ideología que se expresa en la forma de amar, vivir, morir a través de su música constituyéndose en la tristeza y risa. Éste era épico y sencillo, cantado en quechua, mientras que el mestizo era melódico y suave.

La llegada de la cultura occidental, cortó las energías de un pueblo con cultura formada y estructurada en sólidos cauces, que tuvo que soportar el impacto idiomático, religioso, económico, político y guerrero del invasor y conquistador español.

El Huayno no es tan solo un género musical folklórico, sino la primera manifestación cultural de los pueblos de esta parte del mundo, que consta de tres partes: Introducción, cuerpo y remate. El ritmo, estilo, orquestación, sabor y ejecución es diferente de región a región y hasta de pueblo a pueblo, siendo fácil para el aficionado reconocer este género cuando los oye.

Perú

En Perú encontramos por un lado la música de origen indígena, como la música producida por los aymará, tiene grandes similitudes con la música boliviana. Algunos instrumentos típicos en ese sentido son la tarka y los sikus.

La música afroperuana es una de las menos conocidas de América Latina.  El desarrollo de la esclavitud comenzó en Perú en el siglo XV, con la llegada de pequeños contingentes, proceso que determinó la inexistencia de identidades de origen compartidas. La música resultante de este proceso es una mezcla de tradiciones hispanas, andinas y africanas. Practicada espontáneamente por pueblos de la Costa, en las décadas de 1960 y 1970 accedió a los medios de comunicación.

El landó

Es una de las especies musicales y coreográficas surgidas de la citada hibridación, se pueden reconocer elementos hispanos en la melodía y africanos en el acompañamiento instrumental. Los textos en muchos casos incluye varios términos de raíz africana, algunos de carácter ritual.

El estilo responsorial entre solista y coro. La característica fundamentales de esta música es la fuerte presencia de la síncopa, y sus instrumentos más importantes: membranófonos de origen africano; quijada de burro, maxilar de burro o de caballo tratado para que los dientes queden algo holgados y vibren, en este caso, raspados con un pequeño hueso; se clasifica como idiófono de golpe indirecto de raspadura; cajón peruano, instrumento creado por los esclavos para sustituir a los membranófonos prohibidos por  los amos.

Colombia

El bambuco

El bambuco es considerado el género musical y coreográfico más representativo de Colombia, en el que se unen diferentes elementos de origen diverso. Según la región, pueden detectarse en sus variantes elementos indígenas y elementos africanos hibridados con rasgos hispanos.

Es un ejemplo de polirritmia, en el que la melodía se desarrolla en compás binario y el acompañamiento en compás ternario. Es característico el sincopado que aparece en los dos últimos tiempos del compás.

se ejecuta con: flautas traversas de origen indígena y membranófonos de origen africano

En la zona andina se interpreta con cordófonos compuestos del tipo laúd: bandola, instrumento que evoluciona en diferentes regiones de América a partir del instrumento español del mismo nombre; tiple, también derivado de un cordófono hispano y la guitarra.

Los conjuntos instrumentales pueden incluir otros instrumentos en variaciones regionales. Como especie coreográfica, el bambuco es danza de pareja suelta independiente, con carácter de cortejo entre hombre y mujer. El vestuario tradicional para bailarlo incluye, para la mujer, falda larga y muy amplia, a la manera colonial; el hombre puede usar poncho.

El vallenato

Se originó en la costa noreste de Colombia. La capital del departamento de César   es Valledupar, uno de los posibles orígenes del término vallenato. El género tiene relaciones con otros, algunos considerados como subgéneros, otros quizás presentes en  su origen: paseo, son, merengue (diferente éste del merengue dominicano), puya, tambora y cumbia.

La música de vallenato se la utilizó para danza, para fiestas familiares llamadas parrandas, y para serenatas. La línea melódica del vallenato es ejecutada por el acordeón, instrumento que caracteriza al género, conocido en la región como apodos como “el moruno”, o “guacamayo”. Se utilizan acordeones alemanas , las conocidas “Honner” tan difundidas en Uruguay, y las fabricadas en Colombia. La acompañan la caja, membranófono tubular cilíndrico de un solo cuero, de raíz africana. El tercer instrumento característico  es la guacharaca, raspador de muescas, idiófono de golpe indirecto de raspadura, el que tendría origen indígena.

Es un excelente ejemplo del proceso de sincretismo de culturas que se dio en América Latina; en los textos, la estructura poética es de raíz española, mientras que en los temas se mezclan elementos hispanos  con elementos indígenas de la región. En la década de 1940 la música del vallenato trascendió la región de origen y pasó a conocerse en todo el país. Se formaron entonces “orquestas vallenatas”, con ampliación de los instrumentos utilizados, entre ellos, la tumbadora.

En los años `70 aum

enta notoriamente su difusión comercial a través del disco, y en la década de 1990 alcanza proyección internacional con las creaciones de Carlos Vives

Venezuela

El joropo

El término  joropo se utiliza para referirse a un género musical que puede ser instrumental o cantado, una danza de pareja, un tipo de fiesta, baile campesino con música de cuerdas y canto.

los instrumentos  tradicionales para la ejecución de este género son:

-el cuatro, derivado americano de la guitarra española, el cual debe su nombre al número de cuerdas. Se ejecuta punteado  y/o rasgueado o “charrasqueado”, técnica relacionada con el antiguo “golpe” español. Es instrumento acompañante del canto, de otros cordófonos como el arpa,  la bandola y también la guitarra. En muchas ocasiones va acompañado de maracas. También se le ejecuta como instrumento solista.

-el arpa, también de origen europeo pero en su versión tradicional. Esta arpa criolla llegó a América poco después de la Conquista y se folklorizó en el noreste argentino, en Chile, Bolivia, Perú, Ecuador, Colombia, Venezuela y México, desarrollando diferentes modalidades en cada país, tanto en cuanto a su forma como a técnicas de ejecución.

-las maracas, idiófonos que en Venezuela están presentes  a través del aporte indígena pero también como patrimonio de las culturas africanas que llegaron en régimen de esclavitud.

México

El huapango

El huapango es una tradición musical compartida por los habitantes de la Región de la Huasteca, caracterizada por intenso sincretismo cultural reflejado en su música. El término “huapango” puede aludir al lugar del baile, al conjunto de músicos con sus instrumentos, a la música misma, y a la fiesta o fandango, es decir, el baile público al aire libre, en el que participa la comunidad rural. En el texto se utilizan los llamados “versos sabidos”, es decir, los que forman parte del repertorio poético tradicional, y versos que se componen para cada interpretación. La improvisación poética puede producirse entre dos o más músicos, o bien entre éstos y alguna persona del auditorio. Puede darse un duelo poético propuesto por los escuchas. Existe también un huapango considerado “indígena”, sólo instrumental, ejecutado en situaciones rituales asociadas a la actividad agrícola.

Existen dos tipos de huapango: el tradicional y el moderno. El huapango tradicional se interpreta utilizando tres instrumentos: jarana, guitarra quinta o huapanguera, y violín. Este último exige un virtuosismo técnico y una ejecución llena de sentimiento, pues lleva la melodía y realiza los floreos que adornan el son. La jarana huasteca es una guitarra de tamaño pequeño y cinco cuerdas que se utiliza para llevar el ritmo. Es el registro medio entre el agudo del violín y las notas graves de la guitarra quinta. La guitarra huapanguera presenta una gran caja y cinco cuerdas que pueden aumentarse a ocho al usar tres dobles; rasguea y puntea según exija la ejecución dando el apoyo rítmico y el bajeo que pide el baile. El cantante de huapango utiliza repetidamente el falsete y requiere de un registro agudo.

El baile se ejecuta en parejas, taconeando y pespunteando según sea el ritmo de la música. Su contexto natural es la fiesta de huapango, llamada fandango o huapangueada, que hasta antes de los setenta se llevaba a cabo bajo una enramada o en una galera. Era común la presencia de una tarima sobre la cual se ubicaban los músicos y los bailadores. No obstante, en diversas ocasiones el baile se ejecutaba sobre la tierra. En general, el papel de bailadora es el único que la mujer asume en la ejecución del huapango, aunque en Pánuco, Veracruz, ha habido excelentes y famosas cantantes.

El corrido es heredero del antiguo romance español, que relata sucesos guerreros y políticos, y alcanzó gran popularidad en la época de la revolución mexicana, estos son los llamados Corridos de la Revolución.

Panamá

La cumbia

La cumbia es aire típico del litoral atlántico y de Panamá. Tiene música con influencia afro en el baile y la melodía. Los instrumentos más usados son una caña de millo, clarinete de procedencia indígena, tambora o bombo, guache y maraca. El uso del acordeón es un ejemplo de reelaboración en el orden instrumental que ha concernido a los más diversos géneros en extensas áreas geográficas europeas, americanas, africanas. La flauta de caña, característica de la cumbia ejecutada en una amplia región caribeña, es reemplazada en algunos casos por este aerófono libre, cuya sonoridad de especial eficacia para la música bailable lo constituye en un ejemplo de difusión que hoy llamaríamos global, desde poco después de su invención en el siglo XIX.

En Panamá la cumbia es baile de ronda. Consta de dos figuras: Paseo y Vuelta; esta última se ejecuta correspondiendo a una llamada de las maracas y tambores.

Las llamadas Cumbias de Mejorana se presentan en dos tipos distintos: una zapateada y la otra que ellos llaman suelta. En la zapateada, el varón va delante de su pareja. La ronda, como lo advertimos es de a uno en fondo. Marcan el compás con los pies. Da la sensación de un zapateo que sirviera de acompañamiento a la música. A un momento de ella, se da una vuelta por la izquierda, zapateando y no girando, para colocarse todos de frente al centro del círculo, pegados de hombros y ejecutando una seguidilla lateral sin romper la figura. A otro cambio de la música, se vuelve a la vuelta por la izquierda zapateando hasta adquirir la posición del comienzo e iniciar los pasos que se dieron en ese momento. Esa figura termina con otra vuelta igual a las descritas para empezar en seguida, otro tipo de seguidilla en la que la mujer avanza de frente y hacia adelante y el varón retrocediendo de frente a ella, marcha hacia atrás; pero por esto no se deshace el círculo. La música indica el término de esta figura para comenzar de nuevo todas las fases hasta que los músicos finalicen su ejecución.

En la Cumbia suelta que también se baila en ronda, la pareja va uno al lado del otro. La mujer siempre por fuera del círculo. Comienza con un Paseo de movimientos muy pronunciada hacia afuera y hacía adentro un tanto balanceados y a una llamada de la música se da una vuelta en redondo cada uno por su lado, para empezar de inmediato una seguidilla galopada y rápida que termina cuando la música advierte que comienza el Paseo. La Seguidilla tiene una forma muy particular: la mujer avanza de frente; no frente al varón; ella va hacia adelante; el hombre está de lado; más bien, dando el frente al costado de su pareja; es como si los dos estuvieran describiendo la figura de una T acostada. Luego dan una vuelta girando en redondo sobre sí mismos y empiezan de nuevo, los movimientos del principio.

El tamborito

También llamado baile de tambor es danza acompañada del canto de mujeres. Se realizan tres figuras que se denominan Paseo, Tres golpes y Vuelta o Seguidilla. Es danza de galanteo en la que se destacan los movimientos del hombre, mientras la mujer “responde” con movimientos de su falda.

Antecedente fundamental del tamborito panameño es el bunde, de origen africano, tipo de canto, toque y baile diseminado por las regiones del Darién, Colón, en el punto de unión de Colombia y Panamá. Una descripción del bunde, aparecida en un informe al rey de España, remitido en 1769 refleja sus características y muestra claramente su parentesco con el tambor de Panamá:

El tamborito es, indudablemente, el género musical que mejor expresa lo panameño. Se baila por todos los sectores y clases sociales, ya sea en su forma típica o en la más elaborada propia de creadores e intérpretes modernos. Ha trascendido al extranjero como embajador plenipotenciario de ese pueblo caribeño hasta la médula de los huesos. El cine, la televisión, la radio, el teatro, el espectáculo, han sido receptivos a su ritmo contagioso, pero el ambiente natural, el marco ideal para sus alegres tonadas es sin dudas el evento carnavalesca.

Hay variantes del género. En la provincia de Los Santos se cultiva el llamado tamborito santeño, de mayor influencia española, con rico colorido, belleza coreográfica y ritmo mesurado. Es el más extendido de los estilos, y goza de mucha popularidad en la capital.

En la región del caribe debemos diferencias los países de influencia española (como Cuba y Santo Domingo) y los de influencia  inglesa (como Jamaica y Trinidad y Tobago).

República Dominicana

El merengue

Se ubica genéricamente dentro de las expresiones del folklore de origen afroamericano. Sus antecedentes se pierden en elementos de diferentes procedencias, por ej, la danza cubana, la habanera, así como la calenda antillana. Se ve la influencia afro en el aspecto rítmico-percusivo, mientras que en el baile está evidenciada la huella danzística caribeña; en lo melódico hay que remitirse, necesariamente, al cancionero hispánico. Su nombre viene al género por vía metafórica y se le llamó merengue quizás por decirlo dulce o balanceo cortado, batido.

El merengue antiguamente constaba de varias partes coreográficas, actualmente es una danza de pareja abrazada, con música dividida en estrofa y estribillo.

La historia del merengue no está clara.  Las autoridades creen que el merengue se desprende de una música cubana llamada UPA, una de cuyas partes se llamaba merengue.  El merengue nació en la región del Cibao. Surge en medio de la lucha por la independencia de Santo Domingo y como reflejo de específicas condiciones socio-económicas. Rafael Vidal afirma que fue cantado y bailado, en 1844, en los campos de batalla donde el pueblo dominicano luchaba contra las tropas intervensionistas haitianas. El merengue es atacado violentamente por las clases altas y la prensa se hace eco de esta campaña. Se le acusa de ser baile de clases inferiores, inmoral, vulgar y nocivo. Sin embargo la nueva música sincopada calaba cada vez más en el alma del pueblo y entraba al repertorio no sólo de los pequeños conjuntos típicos, sino de las orquestas de baile, y los compositores se dedicaban a elaborar piezas con su ritmo vivaz y pegajoso.

El conjunto típico de merengue era conformado, en sus primeros tiempos rurales, por un cuatro o por un tres, un güiro y una tambora. A partir de 1870 el acordeón, llegado de Europa, sustituye al criollo cuatro. Años más tarde se le adiciona un saxofón y más adelante un bajo, que en las agrupaciones rústicas era representado por la maríbula. A este grupo se le conoce como perico ripiao. La fusión de culturas antecedentes se manifiesta con la presencia de lo indoamericano (güiro), lo negro(tambora) y lo europeo(acordeón). Los instrumentos de viento(trompetas, trombones, saxofones)van realizando el fraseo y llevando la línea melódica-armónica.

Se estructura en tres partes: introducción o paseo, copla cantada y jaleo. La introducción comúnmente la realizan instrumentos viento o cuerda, la copla o cuarteta, que posee característica narrativa-casi siempre jocosa o amatoria-la canta un solista y es lo que se llama propiamente merengue, y el jaleo.

De pareja enlazada empieza se empieza bailando hacia la derecha, dando pasos de lado más bien largos que cortos y doblando un poco las rodillas al hacer el movimiento.- Después de unos cuantos pasos se dan vueltas rápidas, primero hacia la derecha y luego hacia la izquierda, siempre con doblez de la rodillas. En esta forma, combinando pasos y vueltas se va por todo el salón de baile. La música indica cuando se acelera y cuándo se va más despacio. A los pasos básicos del merengue también se le agregan figuras; cuando los bailadores son expertos a veces ejecutan un baile bastante complicado. En una de las figuras el hombre hace que la mujer gire delante de él sosteniendo en alto la mano derecha de ella en la de él, en otra la hace girar una vuelta completa alrededor de él, y otras veces se separan y bailan uno delante de otro.

Originalmente el merengue se tocaba con el acordeón, el saxófono y el guayano.   Fue fundamental ek aporte del compositor Rafael Ignacio. Recientemente el merengue ha cambiado mucho.  La música ahora incluye muchos sonidos hi-tech.  La guitarra eléctrica y el piano eléctrico han reemplazado el acordeón; pero el aspecto rítmico del merengue se conserva.

Contemporáneamente Juan Luis Guerra, ha trabajado con las raíces populares dominicanas, mezclándolas con elementos contemporáneos y ha obtenido estilos interesantes como el llamado Guaverry, tipo de merengue cantado en el inglés característico que hablan los descendientes de nativos de islas de Caribe anglófono, asentados en el este de la República Dominicana. Otros creadores incorporan aspectos rítmicos de procedencia rockera.

Actualmente se ejecuta con metales(trompetas, trombones), el piano, el bajo eléctrico, la batería; se estructura una cuerda de saxofones además de los instrumentos tradicionales. La conformación de la pieza es diferente, consta de una primera parte que se limita a la copla o cuarteta, que es el eje argumental y le sigue la llamada jaleo en la cual el ritmo es más rápido y mantiene una misma secuencia melódico rítmico, de acuerdo con el texto. El merengue ha tenido una extraordinaria difusión y popularidad en Cuba por ejemplo, desde la década del cuarenta, al punto que se siente como algo criollo. Creadores cubanos han compuesto obras dentro de este género. Incluso se ha producido un tipo de merengue a lo cubano, mezclado con el sabor de la guaracha.

Puerto Rico

La plena

El término plena surge en Santo Domingo aplicado a los cantos de trabajo. En Puerto Rico es una pieza responsorial  (alterna solista y coro). El coro canta al unísono o en 3as o 6as. Se acompaña con el güiro, las maracas, los palitos, tambores, guitarra, bordonia, el cuatro de 10 cuerdas y el tiple.

La plena es un género importante entre la música tradicional de Puerto Rico y típicamente asociada con las regiones costeras de la isla. Como el corrido de Méjico, la plena es una canción narrativa que detalla los dolores y los ironías en la vida.

Hay varias teorías sobre cómo y cuando se originó la plena puertorriqueña. La teoría más popular sobre el origen de la plena es que originó en la ciudad de Ponce, en la costa sur de Puerto Rico, alrededor de 1920, según esta plena popular, San Anton. Sin embargo, es más probable fue mucho antes, como hay ejemplos de la plena en Puerto Rico y otros sitios, alrededor de 1875.

Lo que sí está claro, es que este género musical tiene raíces en la música y baile africana. Las plenas llegaron a ser populares en la primera parte del siglo XX en las áreas de caña por la costa de la isla. La variada expresión musical de la población de esclavos, la gente común, y de la clase alta, forma el contexto para el nacimiento y el desarrollo de la plena. Además de tener sus raíces musicales y sociales en la herencia del África oriental, las plenas también fueron influenciados por la música del jíbaro, basadas en las tradiciones de españoles y moruecos, y en la música de los salones de baile en el estilo de Europa. La plena también estuvo influenciada por la música de los esclavos liberados, pero desplazados, que viajaron a Puerto Rico de las islas caribes de habla inglesa, buscando trabajo.

Musicalmente es una pieza responsorial, la melodía se desenvuelve en ocho compases a dos tiempos con variedad de ritmos. El coro canta al unísono o en terceras o sextas. Se acompaña con el güiro, las maracas, los palitos, los tambores, la guitarra, la bordonia, el cuatro de diez cuerdas y el tiple.

Intervienen en la danza seis o más parejas, las mujeres frente a los hombres en hileras. Durante el baile se cruzan varias veces, zapatean, valsean.

Las letras de la plena se tratan de los eventos contemporáneos y por lo tanto, se dice que es el “periódico cantado”. Los cantantes reciten las noticias del día y satiricen a los políticos locales o cantan de los escándalos.

La música de plena se toca con instrumentos que incluirían típicamente varias panderetas, que también se llama panderos. Las panderetas son los instrumentos más típicos de la plena. Un pandero es un tambor de marco similar a un “tambourine” pero sin los címbalos, y sostenido a mano. Un conjunto completo de plena requiere tres panderetas.

Además, se utiliza dos tambores que también son típicos en la instrumentación de la plena. Uno se llama la seguidora, que provee la fundación rítmica, y el segundo, que tiene el rol principal, llamado un requinto que refuerce y acentúe porciones de la estructura rítmica del texto de la canción y que también se utiliza para las descargas. Otro instrumento importante en la plena es el güiro, que principalmente se usa para tocar un ritmo fijo pero que también se puede utilizar para solos. Otros instrumentos puede incluir un cuatro o una guitarra, y un tambor de conga y quizás una sola maraca. Un acordeón o una armónica también se puede usar, pero éstos no son típicos. Algunos conjuntos de plena incluyen una trompeta, clarinete, u otro instrumento de viento.

Otras Antillas

La música tradicional de esta zona del Caribe es una mezcla de las influencias de los inmigrantes de Africa y Europa con las costumbres arraigadas del ambiente tropical de las Antillas. El calypso es una mixtura de ritmos africanos, hispano-africanos y versos en inglés con huellas estructurales francesas. Los temas de los que tratan las canciones con este ritmo son cotidianos como el amor, el sexo, la política, etc.

La danza llamada limbo tiene su origen en los antiguos ritos tribales africanos introducidos por los inmigrantes traídos de las culturas Dahomey y los Ashanti. Ya con su establecimiento en las Antillas se desarrollaron nuevas formas de expresión del cuerpo al ritmo de la música como la rumba, el merengue o la calenda de influencia afro-francesa.

El calypso, coreografía similar a la rumba, comenzó como la música de Trinidad y Tobago y nunca se ha desviado de ahí, es en sus raíces, música de la calle.

Esta contribución musical antillana se centra alrededor de la época de carnaval, que comienza poco después de la Navidad y termina con el martes de Carnaval, el día anterior al Miércoles de Ceniza cristiano.

Los ritmos del calypso se pueden encontrar desde la llegada de los primeros esclavos africanos traídos para trabajar en las plantaciones. Dado que a los esclavos se les prohibía hablar entre ellos, y se les había robado todo vínculo con su hogar y familia, comenzaron a cantar. Esta era la forma de aliviar sus penas, expresar sus nostalgias, sus alegrías, sus necesidades y sus inconformidades.

Utilizaron el calypso como método de comunicación para burlar a sus amos captores. Estas canciones ayudaron a unificar a los esclavos. Un recorrido a través de la historia de esta alegre música.

El steel-band es una banda hecha con barriles de petróleo, en cuya superficie se marcan partes con diferentes afinaciones; fue creada hacia 1930 en Trinidad y Tobago.

steel drum

Cuba

El son

El son ha sido permeado por muchísimos nutrientes musicales, y por la otra, al considerársele como uno de los vehículos de expresión que mejor representa la confluencia de culturas del Continente Americano.

Es un género que muestra la integración de factores hispánicos y africanos. Los elementos melódicos son marcados por la influencia española y los rítmicos por la raíz africana, con cierta influencia de Haití. Posee una estructura copla-estribillo, con textos breves que se refieren a asuntos de la vida y del entorno, y un instrumental formado al inicio por tres instrumentos. La palabra son, no sólo alude a la música, sino al baile, a la fiesta y al ambiente.

Es a finales del siglo XIX luego de circunstancias socioeconómicas, fenómenos culturales, más factores y fenómenos que provenían de Haití que propiciaron la creación del son. A principios del siglo XX, se va expandiéndose y se sitúa el año 1909 como el año de su entrada en La Habana.

Los grupos de son, estaban integrados por un tres rudimentario , un güiro y el bongó, a los que se incorporó más tarde una botijuela o marímbula.

En cuanto a su estructura, el texto se basa en la copla o cuarteta llamada regina, que culmina en el diálogo solista-coro, en el estribillo obligado. En su evolución el son sufre una alteración en la forma copla o cuarteta-estribillo y aparece un texto inicial, recitativo, narrativo, que da paso al montuno. En la segunda parte del son hay improvisación, especialmente de parte del bongó y del cantante.

La estructura formal de los sones más antiguos que se conocen es verdaderamente muy simple: consta de la repetición de un estribillo, por lo general consistente de cuatro compases o menos, que es cantado por un coro. Esta sección de coristas se alterna con la actividad realizada por una voz solista que casi siempre contrasta con el estribillo, con el solista improvisando el texto, mientras el coro repite constantemente un estribillo ofrecido por el solista.

Esta práctica continúa hasta tanto el solista considere que tiene algo que decir. La alternativa entre solista y coro, aunque muy similar a la de los cantos de origen africano (canto responsorial), se diferencia en el hecho de que en el son finaliza el canto cuando el solista concluye su mensaje, añadiéndole así un ingrediente de cierto individualismo a la interpretación.

Musicalmente, en la mayoría de los ejemplos de son cubano podemos reconocer tres líneas: el contrabajo que ejecuta en pizzicato, el llamado bajo anticipado (sincopado); la guitarra que mantiene su típico rayado (rasgueado semipercutido) y que apoyan las maracas y el bongó; y la clave que ejecuta un diseño similar a la “llamada” del candombe uruguayo.